Película de pornografía gay de James Franco y otros destacados de Tribeca

Keegan Allen como Harlow en King Cobra .Cortesía de Jesse Korman

A medida que el Festival de Cine de Tribeca 2016 termina este fin de semana, aquí hay un vistazo a cinco películas notables que vimos en el festival, desde una pieza de cámara llena de tensión hasta un drama de porno gay y Tom Hanks deambulando por el desierto saudí.

King Cobra

El porno gay no es un mundo que se explore a menudo, o nunca, en realidad, en el cine narrativo estadounidense, por lo que hay al menos algo intrínsecamente audaz e interesante en el director. De Justin Kelly nueva película, que narra el escándalo que rodeó a la estrella porno apenas legal de mediados de siglo, Brent Corrigan (nombre real Sean Lockhart ), sexo con menores y asesinato y todo. Pero como mostró en su última película, Soy Michael , Kelly, quien escribió el guión de King Cobra , no es un analista terriblemente astuto de la psicología humana, reduciendo aquí la historia de un joven talento del porno y su productor al estilo Svengali (bien interpretado por Christian Slater ), y los dos idiotas celosos que en última instancia causan estragos en todas sus vidas, con algunas motivaciones bastante simples y poco ilustradas. Los dos idiotas son interpretados por Keegan Allen y James Franco (que también estaba en Soy Michael ), el último de los cuales no ha interpretado a un hombre gay creíble desde Leche , aunque no por falta de intentos. Garrett Clayton, una estrella de Disney Channel que ahora trabaja en azul, interpreta a Corrigan / Lockhart de manera desigual, aunque captura bastante bien sus destellos de ambición. Con su salvaje base de verdadero crimen, King Cobra podría ser una película tan oscura, rica y fascinante. Pero Kelly hace un trabajo rápido, acertando los ritmos requeridos de la trama sin explorar ninguno de los terrenos emocionales y sociológicos de la historia. Incluso aquellos que buscan excitación básica se irán insatisfechos. King Cobra necesita un poco de esponja seria. —Richard Lawson



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Siempre brilla

Cortesía de Mark Schwartzbard.

Haré lo que quieras, promete la rubia de ojos saltones, hablando directamente a la cámara, ofreciendo una mezcla de seducción femenina y, justo debajo, terror absoluto. La toma de apertura de Sophia Takal Siempre brilla es una actuación vigorizante y aterradora desde Caitlin FitzGerald —Rápidamente se reveló que era solo eso, actuación, una audición ante una sala llena de hombres que usan la palabra cariño como un arma.

El mundo de Siempre brilla está lleno de ese tipo de hombres: tipos de Hollywood que eligen y rechazan a las mujeres en función de su apariencia, claro, pero también tipos de cineastas más sensibles y artísticos, o incluso camareros amaderados de Big Sur, todos ellos buscando un tipo específico de mujer que se adapte perfectamente en sus vidas. Depende de esas mujeres: FitzGerald y Mackenzie Davis, interpretando a un par de amigas actrices que se han distanciado cuando una de ellas ha tenido éxito, para sortear esas demandas y luchar por crear su propia identidad en un mundo donde, como dos rubias, también pueden ser intercambiables.

Con matices de Mulholland Drive Y los clásicos tropos de terror en la mano, Takal explora este espacio liminal de identidad entre los dos amigos, presagiando algo terrible en su futuro pero persistiendo efectivamente en la distancia emocional más simple entre ellos. Filmado en gran parte en la hermosa casa de alguien en Big Sur, Siempre brilla tiene la estética de bajo presupuesto y las escenas largas y habladas de su clásico indie moderno, pero genera una tensión efectiva y juega con su audiencia de una manera que revela a Takal como un cineasta notablemente seguro. Es una película dirigida por una mujer que todavía trata sobre la mirada masculina y lo imposible que puede ser escapar de ella. Es una tensión que, entre muchas otras cosas, hace Siempre brilla inquietante, inquebrantable y merecedor de una audiencia más amplia más allá de su debut en el Festival de Cine de Tribeca. —Katey Rich

Lobos

Courtesy of Juanmi Azpiroz

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Guionista-director Bart Freundlich El melodrama deportivo íntimo tiene una sólida lista de talentos. Taylor John Smith Interpreta con sensibilidad a Anthony Keller, estrella del baloncesto en una escuela parroquial de Manhattan (lo llaman St. Anthony), quien, a pesar de su condición de héroe, está luchando contra un problema de motivación. Eso se debe en gran parte al hecho de su difícil vida hogareña, que está dominada por el voluble adicto al juego de un padre, al que juega con un escalofriante escalofrío por Michael Shannon. (Quien aparentemente está en todas las películas que se hacen ahora). Ambos actores dan buenas actuaciones, Smith causó una impresión particularmente fuerte, encontrando en su problemático chico de oro un pozo creíble de dolor y confusión adolescente. Director de fotografía Juan Miguel Azpiroz también es un M.V.P. aquí, dando Lobos un tirón mareado y errante. Las tensas escenas de baloncesto están graciosamente filmadas, al igual que las representaciones amorosas y vividas de la vida cotidiana de Manhattan.

Sin embargo, tengo que declarar una falta en otro lugar. Freundlich sobrecarga su película, arrojando más problemas a Anthony de los que son creíbles. Con algunos puntos de la trama eliminados, Wovles podría ser una película mucho más sutil y resonante. También está la incómoda presencia de un personaje llamado Sócrates, quien, aunque es interpretado por el brillante actor de teatro clásico. John Douglas Thompson, adquiere demasiadas cualidades de la Negro mágico, dando consejos de vida a este chico blanco que juega a la pelota con una especie de misticismo conocedor. Al final de la imagen, Lobos se ha transformado de un drama matizado a una película deportiva genéricamente edificante con algunos aspectos de suspenso articulados de manera muy articulada, y se ha vuelto frustrantemente confuso por qué se supone que nos debe importar mucho sobre este chico especial.

Todavía, Lobos es envolvente, por su estética expresiva (menos De David Bridie puntuación excesivamente insistente, que debería ser expulsada del juego) y actuaciones convincentes. Smith tuvo un pequeño arco recientemente en la excelente segunda temporada de Crimen Americano , y aquí se basa en esa promesa. Es un actor para ver, incluso si Lobos no siempre juega con sus puntos fuertes. —R.L.

Un holograma para el rey

Cortesía de atracciones en la carretera

Aunque cuenta con grandes nombres: Tom Hanks como estrella, Tom Tykwer como director: esta adaptación de un Dave Eggers La novela se siente pequeña, aunque no de mala manera. Sobre un empresario que viaja a Arabia Saudita para conseguir un I.T. contrato que rescatará su estancada carrera, Un holograma para el rey sigue la tradición de Perdido en la traducción y otras películas sobre anglos que se encuentran perdidos —física, emocional y espiritualmente— en una tierra exótica. Pero la película de Tykwer, que también escribió, maneja ese choque cultural con una delicadeza sorprendente; seguro que hay algunos momentos que pueden sonar a estereotipo, pero gran parte de la película es reflexiva, de mente abierta y gentil. Aunque Un holograma para el rey no es realmente acerca de mucho, solo tocando ligeramente lo que supongo que son hilos temáticos más profundos en la novela de Eggers, todavía toca algunos acordes suaves bastante bien, ayudado por el encanto silenciado de Hanks y algunas interpretaciones de apoyo fabulosas, que incluyen Sarita Choudhury como un médico compasivo. Una simple película de viajes con un aire misterioso y metafísico. Un holograma para el rey es una pequeña pieza de humor evocadora, especialmente cuando se compone de una música encantadora de Tykwer y Johnny Klimek. —R.L.

Amor verdadero

Courtesy of Alma Har'el

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Documentalista Alma Har’el Estaba pasando un mal momento con el amor, así que fue a buscarlo: en la clase trabajadora de Alaska, en el surfista Hawaii, en un pequeño apartamento en Queens. Lo que encontró allí constituye su nueva película, Amor verdadero , que experimenta con recreaciones y escenas surrealistas para acompañar las historias reales de sus personajes, pero es principalmente un tríptico de historias desgarradoras y convincentes de amor y pérdida.

Ninguna de estas historias delgadas sería un gran documental por sí sola, pero tienen un gran poder cuando se combinan, incluso si sus temas y personajes son tan diferentes que es difícil encontrar un tema general más allá de El amor duele. En Alaska, Blake encontró el amor con su novio Joel, pero tal vez no la aceptara, dada una carrera como stripper que parece gustarle de verdad. En Hawái, un tipo que se hace llamar Coconut Willie está viviendo la máxima fantasía de un vagabundo en la playa, pero también atormentado con el conocimiento de que su hijo, de hecho, no es biológicamente suyo. Y en Nueva York conocemos a Victory, una de los siete hijos de una familia que actúa en las esquinas y en los vagones del metro, guiada por su atento padre pero también abandonada por una madre que se niega a aparecer ante la cámara.

Algunas de las florituras surrealistas de Har'el son más efectivas que otras: Blake sentado en un autobús escolar abandonado lleno de maniquíes para revivir un duro recuerdo de la infancia es conmovedor, mientras que elegir a una actriz para que interprete a la madre de Victory es un giro meta más confuso que significativo. Pero con la partitura de Flying Lotus, una cinematografía evocadora y un ordenado paralelismo que presenta a todos nuestros personajes a versiones más jóvenes de sí mismos, Amor verdadero se cuece en sus historias de amor, no necesariamente encontrando respuestas, pero inspirando una consideración más profunda en su proceso. —K.R.