Cómo el Rey León se convirtió en un éxito de Broadway de $ 9 mil millones

Compositor Elton John.Por David M. Benett / Getty Images.

Michael Eisner, presidente de Walt Disney Company, no tenía ningún interés en llevar Magic Kingdom a Broadway. Sí, le encantaba el teatro. Al crecer en la ciudad de Nueva York, había visto casi todos los musicales de Broadway desde que tenía seis años hasta que se fue a la universidad. Pero cuando dirigía Paramount Pictures a principios de la década de 1980, la compañía había producido Tommy Tune's Mi único y, diría más tarde, fue la mayor pesadilla de mi vida. Aunque el programa fue un éxito, reflexionó Eisner, tomó más tiempo que cualquier otra cosa que estuviera haciendo en Paramount. Decidí: nunca más. Este es un pasatiempo del que podemos prescindir.

Y luego Frank Rich, el influyente New York Times crítico y columnista, elogió la versión animada de Disney de La bella y la Bestia, escribiendo que la película tenía la mejor partitura musical de Broadway de 1991. Eisner comenzó a reconsiderarlo. Se encontró con Andrew Lloyd Webber en un evento en Carolina del Norte y comenzó a investigar, recordó Lloyd Webber. Los cientos de millones de dólares Gatos había hecho que la vuelta al mundo impresionara a Eisner. Broadway, como las películas, se había convertido en un negocio global. Pero cuando Eisner propuso una versión teatral de La bella y la Bestia, nadie en Disney quería hacerlo. Bien, dijo Eisner. Soy el director ejecutivo de la empresa, así que lo haré.

La directora Taymor, formada en teatro experimental y títeres, trabaja con máscaras de actores en su taller de Manhattan.Por Kenneth Van Sickle.

Dirigir La bella y la Bestia, Eisner contrató a Robert Jess Roth, quien organizó un espectáculo que Eisner había visto mientras navegaba en el Reina María. El musical, estimado en 20 millones de dólares —en ese momento, probablemente el más caro en la historia de Broadway— se estrenó en el Palace Theatre. Los críticos lo descartaron como un espectáculo de parque temático. El público de Broadway también lo rechazó, dando el Tony de 1994 al mejor musical a la efímera película de Stephen Sondheim. Pasión. Pero la audiencia familiar acudió en masa. Se convirtió en un éxito de taquilla.

Por esta época, el amigo arquitecto de Eisner, Robert A.M. Stern sugirió que el CEO se involucre en la incipiente remodelación de Times Square. Había un movimiento en marcha para tratar de limpiar la llamada encrucijada del mundo, y el apoyo de Disney le daría un impulso al plan.

Eisner ignoró a Stern. Luego, en un evento benéfico, se encontró sentado junto a Marian Sulzberger Heiskell, del New York Times familia. Como presidenta de New 42nd Street, encabezó la revitalización de un tramo clave de la emblemática vía. Le contó a Eisner sobre el New Amsterdam Theatre, un espacio que alguna vez fue grandioso pero ahora decrépito, justo en la calle 42. Disney, sugirió, debería adquirirlo. Yo también la ignoré, dijo Eisner.

Pero estaba intrigado. Cuando iba a ver a su hijo jugar al hockey en Nueva Jersey una mañana de primavera de 1993, decidió echar un vistazo al teatro. Estaba oscuro, estaba lloviendo adentro, dijo. Los pájaros volaban alrededor [del interior]. Pero fue asombroso. Eisner miró más allá de la decadencia y vio los restos de la antigua gloria del teatro: los detalles Art Nouveau, los frisos descoloridos que representan escenas de Shakespeare, los restos de una chimenea de mármol irlandés en el salón. En un momento, llevó a Frank Wells, el presidente de Disney, a ver el teatro. Dos prostitutas le hicieron proposiciones a Wells en la acera.

Eisner se reunió con el alcalde Rudy Giuliani y le dijo que Disney no podía estar en una calle llena de prostitutas, peep shows y casas de pornografía. Se habrán ido, dijo Giuliani.

Señor alcalde, con toda deferencia, dijo Eisner, vengo de Nueva York y sé que no puede sacar a nadie. Tienen derechos, está la ACLU, es muy difícil.

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Mírame a los ojos, dijo Giuliani.

¿Qué quieres decir?

Mírame a los ojos.

Eisner lo hizo.

Se habrán ido, dijo el alcalde.

Bien, supongo que se habrán ido, dijo Eisner.

Disney inició conversaciones con la ciudad para hacerse cargo y renovar New Amsterdam. Cuando terminaron las negociaciones, Eisner tenía en mente un espectáculo para el teatro: El rey León.

J Efrey Katzenberg entonces presidente de Walt Disney Studios, se le ocurrió la idea de El rey León -la película. Volaba a Europa en un avión privado con Peter Schneider, director de Disney Animation, para promover La Sirenita. Hablaban sobre qué películas hacer a continuación, y Katzenberg sugirió una historia, ambientada en África, sobre el momento en que un niño se convierte en hombre. Schneider pensó que el concepto era delgado, pero como Katzenberg era su jefe, sabía que tenía que pensar en algo. Surgió una narración sobre un cachorro de león que tuvo que tomar el lugar de su padre como rey. El título provisional era Rey de la selva. El equipo B estaba trabajando en eso, dijo Schneider, porque no tenía princesas y todo el mundo quería princesas. El equipo A estaba trabajando en Aladino.

Cuándo De Disney FRANK POZOS vino a ver el teatro de la calle 42, dos ANZUELOS le propuso.

Tim Rice, el letrista de Evita y Jesucristo Superestrella, estaba en el lote de Disney trabajando duro en una película de Dolly Parton llamada Hablar directamente. Había tenido una mala racha en su carrera teatral después del fracaso de su musical de Broadway. Ajedrez. Estaba merodeando por Disney Studios y diciendo: '¿Tienes otro trabajo para mí? Me gusta mucho escribir canciones. Soy bastante bueno en eso ''. Rice se reunió con Schneider y su número dos en animación, Thomas Schumacher. Le hablaron sobre Rey de la selva y le preguntó si había un compositor con el que le gustaría trabajar. Elton John, dijo Rice. Pensé que tenía la gran combinación de grandes melodías con un toque de rock, como Superestrella y Evita. Por supuesto, estaba pensando solo en mí en ese momento, tratando de salvar mi carrera. Sabía que trabajar con Elton no vendría mal.

La trama de Rey de la selva seguía siendo vago, aunque empezaba a parecerse Aldea. Aldea con piel, como Rice lo llamó. Él y John probaron dos canciones: Can You Feel the Love Tonight y Be Prepared, para Scar, el león malvado que conspira contra su hermano para apoderarse del reino. John estaba a menudo ocupado haciendo giras o grabando, por lo que él y Rice tenían que trabajar de forma remota. Rice escribía la letra, tocaba su propia melodía en el piano para asegurarse de que cantaran y luego se la enviaba por fax a John. Me apegué bastante a mis pequeñas melodías, dijo Rice. Mi 'Can You Feel the Love Tonight' fue como Tammy Wynette. Y luego llegaba un casete y estaba Elton cantando mis palabras con una melodía completamente diferente. Y pensé: ¡Eso no es tan bueno como el mío! Y luego, después de dos versos, pensé: es mucho mejor que el mío.

Cuando Katzenberg escuchó una cinta de John cantando Can You Feel the Love Tonight and Be Prepared, no se impresionó. La Sirenita y La bella y la Bestia tenía partituras al estilo Broadway de Alan Menken y Howard Ashman. Can You Feel the Love Tonight fue una balada pop; Be Prepared tenía un tinte rocoso. No estábamos escribiendo en la tradición de Alan y Howard, dijo Rice. Así que consiguió a Lea Salonga, una estrella de Broadway de Señorita Saigón, para grabar una demostración de Can You Feel the Love Tonight. Y el propio Rice interpretó Be Prepared para Katzenberg, Schneider y otros ejecutivos, presentándolo como una canción teatral para el villano.

Esta vez las canciones funcionaron. A continuación, Rice y John escribieron un número de apertura, una cancioncilla hinchable que enumeraba todos los animales de la jungla. Don Hahn, uno de los productores de la película, la rechazó. Tenemos que tener algo para abrir realmente la película, pero grande, dijo. Rice encontró una línea en el guión: es el círculo de la vida. Buen título, pensó. Comenzó a elaborar una letra que era más seria, un poco filosófica. Él y John estaban en Londres al mismo tiempo, así que se juntaron. John estaba en el piano jugando con ritmos. Rice le dio de comer líneas —Desde el día que llegamos al planeta, banda de esperanza, rueda de la fortuna— mientras John desarrollaba una melodía. Tocó un crescendo y dijo: ¿Puedo tener una línea más?

Desde arriba, Samuel E. Wright asume el papel leonino de Mufasa, padre de Simba; Tsidii Le Loka, Julie Taymor, Christopher Jackson, Michael Curry y Jason Raize; Times Square.Desde arriba, por Sara Krulwich / The New York Times / Redux; cortesía de Disney Theatrical Productions; de Redux.

¡En el camino relajándose! Rice gritó.

No sé de dónde vino eso, dijo Rice años más tarde, pero es bueno.

Terminaron Circle of Life en aproximadamente una hora y media.

A los ejecutivos de Disney les gustó la canción, pero Schneider y otros se dieron cuenta de que el programa tenía que tener un auténtico sonido africano. Alguien, ya nadie está seguro de quién, pensó en el compositor de cine Hans Zimmer, que había utilizado un coro e instrumentos africanos en su partitura para una película ambientada en Sudáfrica llamada El poder de uno. Zimmer escuchó Circle of Life y decidió jugar con él durante un par de días. En su estudio, se asoció con Lebo M., un cantante y compositor de Sudáfrica que una vez trabajó como asistente de estacionamiento en Los Ángeles. El vocalista agregó algunas entonaciones y frases zulúes, que incluyen, Nants ingoyama bagithi Baba. En el momento en que lo escuchamos, dijo Schneider, todos supimos que era perfecto.

La máquina de marketing de Disney no estaba tan segura. La película ahora se llamaba El rey León. Se trataba de animales. No había gente en ella. Y el personaje principal, Simba, era un hombre. Los personajes principales de una película de Disney suelen ser niñas, preferiblemente princesas. Seguía siendo la película del equipo B, dijo Schneider.

El equivalente de Disney de una prueba fuera de la ciudad de Broadway es una proyección, generalmente en un suburbio de Los Ángeles, varias semanas antes del lanzamiento de una película. Disney proyectado El rey León para una audiencia familiar en Woodland Hills una tarde y luego agregó una segunda proyección para la multitud de la noche de la cita. Todos estos chicos de 18 años vinieron colgando sobre sus novias, recordó Schneider. Y pensamos, ¿qué diablos estamos haciendo? Al final de Circle of Life, los adolescentes se pusieron de pie y vitorearon. Y ese fue el primer momento en que supimos que teníamos un gran éxito en nuestras manos, dijo Schneider.

I n principios de la década de 1980 , el célebre departamento de animación de Disney, lugar de nacimiento de Blanca Nieves y los Siete Enanos, Dumbo, Pinocho y Fantasia —Era una sombra de lo que era antes. El Caldero Negro, lanzado en 1985, costó $ 40 millones y fue un fracaso crítico y de taquilla. The Walt Disney Company estaba preocupada por las ofertas públicas de adquisición. Pero ese año Roy E. Disney, el sobrino de Walt, arrebató el control. Y decidió traer a Michael Eisner para salvar el negocio. Eisner no estaba muy interesado en la animación, el dinero estaba en las películas de acción en vivo y los parques temáticos, pero Roy Disney sí. Se hizo cargo de la animación y, por sugerencia de un amigo, trajo a Peter Schneider. Unos años más tarde, Schneider contrató a Thomas Schumacher. Hicieron un buen equipo.

La audiencia vio un PROCESIÓN ANIMAL recorre los pasillos. La gente estaba LIMPIANDO LAS LÁGRIMAS.

El nervioso Schneider tenía mal genio, especialmente si no había comido. Los subordinados llamaron a sus erupciones de tres venas debido a los vasos sanguíneos que se destacaban en su frente cuando gritaba. Schumacher, siempre elegantemente vestido con un bigote cuidadosamente recortado y anteojos de diseñador, suavizó las cosas con ingenio y encanto. Podía sentir que se acercaba una vena de tres venas y, según un informante de Disney, sabía cómo evitarlo: con comida.

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Schneider y Schumacher, veteranos del teatro, hicieron nuevos tipos de películas animadas. Tenían arcos de historia fascinantes, ingenio vertiginoso y personajes que evolucionaron junto con la trama. Comenzaron a producir un éxito de crítica y taquilla tras otro: La Sirenita, La bella y la Bestia, Aladino. Y El rey León. Luego, la tragedia golpeó en la Pascua de 1994. El presidente de Disney, Frank Wells, voló a casa desde un viaje de esquí en un helicóptero y se estrelló en las montañas de Nevada. Disney se vio sumido en la confusión. Jeffrey Katzenberg asumió que asumiría el papel de Wells, pero Eisner, en cambio, asumió las responsabilidades él mismo. Furioso, Katzenberg dejó la compañía unos meses después para formar el estudio de cine y la puesta en marcha de producción DreamWorks, con Steven Spielberg y David Geffen.

Mientras la intriga corporativa se arremolinaba, Eisner, siempre consciente de que un competidor podría robar a dos de sus empleados más valiosos, pidió a Schneider y Schumacher que también asumieran el control de la división de cines de Disney, que de repente estaba en aumento, gracias al éxito de La bella y la Bestia. Siempre pensé que Michael hizo eso para mantenernos emocionados a Peter y a mí, dijo Schumacher, para mantenernos en el bote en un momento en que el bote podría estar desmoronándose.

Se suponía que su primer proyecto sería una versión teatral de Aida, con una partitura de Elton John y Tim Rice. Pero Joe Roth, que había reemplazado a Katzenberg como director del estudio cinematográfico, tuvo otra idea. Caminando por el lote de Disney una tarde con Eisner, dijo: ¿Por qué no estás haciendo El rey León ? ¿Cómo puede fallar? Pero cuando Eisner propuso una Rey Leon musical de escenario, dijo Schumacher, Michael, es una idea terrible. La bella y la Bestia había sido concebido como un musical. La Rey Leon, Schumacher pensó, era más una película con algunas canciones y una partitura inquietante. Pero Eisner siguió presionando. Una cosa sobre la que se mantuvo firme: El rey León tenía que ser diferente de La bella y la Bestia. Sabía que si Disney producía otro programa de parque temático, nos matarían. Quería algo un poco más aventurero.

Schneider y Schumacher estuvieron de acuerdo. Para dos personas del teatro que admiraban el trabajo de artistas como Peter Brook y Pina Bausch, La bella y la Bestia era una interpretación demasiado literal de la película. Era dócil y predecible. Regresaron a sus oficinas para tramar un plan. Schumacher encontró a alguien cuyo trabajo lo había impresionado cuando dirigía el Festival de las Artes de Los Ángeles. Peter, dijo. Voy a llamar a Julie Taymor.

B orn y criado en West Newton, un suburbio tony de Boston, Taymor se unió al Boston Children's Theatre cuando tenía 10 años. Presentó obras de teatro con la familia y los niños del vecindario en su gran casa en Fairfax Street. Se sintió atraída por el teatro experimental y, después de viajar por Sri Lanka e India, por el teatro asiático. Estudió mimo en París y, en el Oberlin College, se unió a una compañía de teatro experimental dirigida por Herbert Blau. Taymor abrazó la creencia de Blau en los ideogramas: formas de expresión reducidas y abstractas. Un ejemplo: si Blau o Taymor estuvieran en escena Sweeney Todd, una víctima sentada en la silla de barbero podría sacar un pañuelo rojo de su cuello para indicar que le habían cortado la garganta.

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Por JOEY MCLEISTER / Star Tribune / Getty Images.

Después de la universidad, Taymor, delgada, hermosa e inteligente, viajó por el Lejano Oriente y Europa del Este, aprendiendo el trabajo con máscaras, títeres de sombras y el Bunraku japonés, en el que el titiritero está a la vista del público. Taymor vivió en Indonesia durante cuatro años y estableció su propio grupo, Teatr Loh. De vuelta en Estados Unidos, su carrera despegó en el teatro experimental, que a menudo presentaba títeres. Schumacher quedó especialmente impresionada con su producción de Stravinsky Edipo rey protagonizada por la diva de la ópera Jessye Norman. Los cantantes llevaban máscaras esculpidas en la parte superior de la cabeza. No vas a poner una máscara sobre el rostro de Jessye Norman, dijo Taymor. El público vio el rostro del artista y la máscara al mismo tiempo, dualidad, como Taymor lo llamó.

Exigió mucho a sus actores y a su público. Cuando se puso en marcha el Lincoln Center Theatre Juan Darien, Taymor realizó una producción intensa pero asombrosamente hermosa sin un intermedio.

Taymor dirigía la película de Wagner El holandes volador en Los Ángeles cuando Schumacher llamó sobre El rey León. Tenía que admitir que no había visto la caricatura. Le envió un video. Fue hermoso, dijo, y me cautivó el desafío de cómo ponerlo en el escenario. ¿Cómo iba a escenificar la estampida [de los ñus]? Schumacher también la envió Ritmo de las Tierras del Reino, un CD inspirado en El rey León con canciones de Zimmer, Lebo M. y Mark Mancina. A Taymor le encantó.

Eisner nunca había oído hablar de Julie Taymor. Peter y Tom me dijeron que ella hace títeres y máscaras y bla, bla, bla, dijo. Así que estudié un poco sus cosas y me pareció una idea bastante buena. Poner a un artista en una idea muy comercial es algo en lo que he creído durante toda mi vida. Eisner miró su programa Juan Darien en el Lincoln Center con Schneider y Schumacher. Diez minutos después, se volvió hacia ellos y les susurró: Creo que tenemos a la persona adecuada.

Taymor hizo maquetas de su propuesta Rey Leon zoológico y los llevó a Orlando para mostrárselos a Eisner. Los puso sobre su escritorio y comenzó a moverlos. Uno era un artilugio de tres ruedas que, al girar, hacía saltar y caer seis gacelas como si corrieran por la llanura. Taymor le explicó a Eisner que la audiencia vería al titiritero empujando la rueda de la gacela por el escenario. Si entiendes esta idea, me quieres, dijo. Esto es lo que hago. Si no quieres ver a los titiriteros, no me quieres a mí.

Bien, dijo Eisner. Lo haremos. Disney se estaba arriesgando. Taymor nunca había trabajado en el teatro comercial. Pero para ir a lo seguro, Disney hizo que Taymor hiciera presentaciones periódicas a Eisner y otros ejecutivos. Si no les gustaba la dirección en la que iba, podían romper la relación. Taymor tenía algunas exigencias propias. Le gustaron las canciones de John y Rice, pero insistió en que Lebo M. se uniera al equipo para completar la partitura. Otra advertencia: pensé que las mujeres faltaban gravemente en la historia. Las leonas son realmente las que salen a buscar la comida y dirigen el espectáculo. Los leones grandes duermen todo el tiempo. Sabía que todavía tenía que ser El rey León, pero quería desarrollar a Nala. Taymor llamó a su amiga Thuli Dumakude, una vocalista sudafricana, cuando se reunieron en un taller. Realmente no hay ningún papel para ti porque en realidad no hay mujeres adultas en él, le dijo Taymor. Dumakude se rió. Nunca hay partes para mujeres, dijo. Un pensamiento golpeó a Taymor: ¿Por qué no convertir a Rafiki, el curandero mandril, en mujer? Disney estuvo de acuerdo. Como dijo Eisner, Eh, está bien. Usted puede hacer eso. Eso realmente no está cambiando la historia. Es un mono, ¿de acuerdo?

Mientras Taymor estudiaba la película animada, descubrió un agujero en la trama. Después de que Simba cree que causó la muerte de su padre, huye de las Tierras del Reino. Scar se hace cargo y destruye el reino. Nala convence a Simba para que regrese, luche contra Scar y asuma el lugar que le corresponde como rey. Pero no pasa por una prueba suficiente para ganarse el manto, dijo Taymor. Entonces se le ocurrió un nuevo segundo acto. Simba corre hacia el desierto y ve una ciudad de luces, un Las Vegas-Disneyland del Sahara. Los habitantes son mitad humanos, mitad animales. Humanimals, los llamaba Taymor. Simba se enamora de algunos personajes malos y desciende a la decadencia. Nala, junto con los amigos de Simba, Timon, un suricato, y Pumba, un jabalí, lo salvan. Lo convencen de que regrese a las Tierras del Reino y se enfrente a Scar.

De izquierda a derecha, el equipo creativo del musical en la noche de apertura, noviembre de 1997; el diseñador de marionetas Michael Curry y Taymor ajustan el tocado de ave de un actor; El presidente y la Sra. Clinton se unen al elenco después de una actuación.De izquierda a derecha, cortesía de Disney Theatrical Productions; por Kenneth Van Sickle; por Cynthia Johnson / The Life Images Collection / Getty Images.

Taymor le explicó su nuevo segundo acto a Schumacher y su boca golpeó el suelo, recordó. Julie, aquí está la cosa, dijo. Esa es una idea realmente interesante. Pero quiero ampliar el material que tenemos. No quiero hacer tu versión. Pero si tu versión es realmente importante para ti, supongo que estamos en el lugar donde no hacemos esto juntos. Taymor consideró su reacción y respondió: No, no. Sólo era una idea.

Volvió al guión original, pero empezó a jugar con la noción de humanimal. Quería que la audiencia viera a los titiriteros mientras manipulaban a sus criaturas. Pero ¿y si ponía al titiritero, todavía visible, adentro ¿El títere? Un guepardo, por ejemplo, con las partes delantera y trasera del animal unidas al titiritero que manipula las patas con varas. O un títere de Timón de tamaño natural pegado al actor a los pies, el actor siguiendo al títere. O un actor sobre cuatro zancos con el cuello y la cabeza brotando de la parte superior de su cabeza: una jirafa.

La gente siempre piensa que los diseños de Julie fueron lo primero, dijo Schumacher. Pero se centró en la trama y el personaje, y eso realmente liberó la gran idea del diseño.

F el de Taymor vino el equipo de Broadway: Michael Curry, diseñador y constructor de títeres; Richard Hudson, de Zimbabwe y escenógrafo de ópera; Garth Fagan, coreógrafo de danza moderna de Jamaica; y el diseñador de iluminación Donald Holder, que había iluminado Juan Darien. Lebo M. continuó escribiendo música nueva, con Taymor colaborando para escribir la letra de Endless Night. Taymor reunió un elenco diverso, con un coro de cantantes de Sudáfrica a quienes planeaba incorporar al espectáculo como el paisaje. En un momento dado, usaban tablas de hierba en la cabeza para simbolizar los pastizales. En un estudio de la calle 27, Taymor, Curry y un ejército de diseñadores esculpieron tocados de máscara en arcilla y caucho de silicona: el majestuoso Mufasa; la cicatriz demente; el sereno Sarabi. Trabajaron las veinticuatro horas del día en el verano de 1996 para prepararse para la primera lectura y presentación de sus diseños a Eisner y al público de California, como una persona los apodó.

Taymor exhibió sus creaciones en 890 Broadway, un hervidero de actividad teatral que alguna vez fue propiedad del director de Broadway Michael Bennett. Los actores leyeron el guión y demostraron técnicas de títeres. Mario Cantone, un comediante, interpretó a Timón. Fue muy divertido, pero eclipsó al títere, dijo Taymor. A medida que avanzaba el día, el equipo de Disney se volvió cada vez más escéptico. Uno de los ejecutivos no pudo captar la idea de una máscara sobre la cabeza de un actor. ¿La audiencia, preguntó, va a mirar al actor o van a mirar ese tocado de tipo africano, lo que sea que haya ahí arriba?

¿Conoces Bunraku? Preguntó Taymor. No tenía idea de qué estaba hablando. Schumacher le lanzó una mirada que decía: Son gente de cine. ¿Has visto mi trabajo? Taymor insistió. Por supuesto que no, dijo, así que me callé en ese momento.

Taymor había cometido algunos errores. Las máscaras de Mufasa y Scar eran demasiado grandes y eran blancas porque ella no las había pintado. Sabía que una vez completada y debidamente iluminada, el público no tendría problemas para asimilar la máscara y el rostro del actor al mismo tiempo. Pero en un ensayo brillantemente iluminado a la mitad del día, con ejecutivos de Disney sentados a solo unos metros de los artistas, sus diseños fueron un fracaso.

Eisner y los otros ejecutivos se subieron a sus SUV, dejando a Taymor, Schneider y Schumacher con el estómago revuelto en la acera, recordó Schumacher. Luego, Schneider se volvió hacia Taymor y le dijo: Te fallamos, Julie, porque pusimos tus cosas en una habitación donde no podían evaluarse adecuadamente. Tenemos que volver a poner esto delante de Michael.

Samuel E. Wright y el elenco original.Por Joan Marcus.

Taymor tuvo un pensamiento. No estoy presionando a los títeres, dijo. Hay diferentes formas en las que podemos hacer esto. Preguntó si podía presentar tres versiones de Timon, Scar y Zazu. Luego, Disney podría decidir qué versión le gustaba más. Solo dame un par de semanas, dijo. Su taller de títeres, como se llamaba, se realizó en el New Amsterdam Theatre para una audiencia de uno: Eisner, sentado en la décima fila para no estar encima de los actores John Vickery (Scar), Geoff Hoyle (Zazu) y Max Casella, ahora interpretando a Timón.

Primero fue una representación tradicional de los animales. Vickery estaba en un disfraz de león que era algo así como Gatos él dijo. Casella vestía un traje de suricata. Hoyle usaba un pico y no tenía el títere de pájaro cálao en la cabeza. Luego vino un híbrido del disfraz de animal y los títeres, con Vickery usando una media máscara en su rostro. Finalmente, Taymor presentó sus diseños originales: el tocado de Scar en la parte superior de la cabeza de Vickery; la marioneta de Timón adjunta a Casella, que la siguió; Hoyle con Zazu en la cabeza. Las máscaras, ahora en la proporción adecuada, estaban pintadas, los actores vestían y maquillaban, y Donald Holder hizo la iluminación.

Cuando terminó la presentación, se encendieron las luces de la casa. Y Taymor esperaba el veredicto. Voy con tu idea original, Julie, dijo Eisner. Cuanto mayor sea el riesgo, mayor será la recompensa.

En ese momento, Vickery decidió dejarlo. El tocado voluminoso le estaba dando dolores de cabeza. La electrónica utilizada para operarlo funcionó menos del 50 por ciento del tiempo. Y cuando el tocado se extendió sobre su cabeza y cuello, dijo, estaba haciendo cosas que se supone que el cuerpo humano no debe hacer. Le dijo a Disney: Esto me va a lastimar. Disney le arrojó suficiente dinero para que se quedara, pero su temor de sufrir lesiones no era infundado. Las marionetas de Taymor plantearon exigencias físicas extraordinarias al elenco.

R Los oídos comenzaron en Mayo de 1997. Todo estaba compartimentado. Los bailarines trabajaron con Fagan en un estudio. Los actores trabajaron con sus títeres en otro. Tuvieron que aprender en unos meses lo que los titiriteros en Indonesia y Japón pasaron toda su vida dominando. El elenco ensayó números musicales en una habitación y escenas dramáticas en otra. Llegaban por fax nuevas letras de Tim Rice. Era como si los ejércitos marcharan en varios frentes, con Taymor —la general Patton, la llamaban algunos— al mando de todo. Tenía todo el espectáculo planeado en su cabeza y siempre parecía saber lo que quería. Una regla fundamental: nunca eclipsar al títere. A veces tienes la sensación de que ella estaba dirigiendo la marioneta y no tú, dijo Vickery. Pero estaba abierta a las buenas ideas, sin importar de quién fueran. Kevin Cahoon, interpretando a una de las hienas, le dijo que pensaba que su personaje era el enano de la camada. Siempre recibe las sobras, dijo. Ojalá pudiéramos ver sus costillas. Gran idea, dijo Taymor, y rediseñó el disfraz.

Los actores nunca estuvieron muy seguros de lo que estaba pasando, pero hubo momentos en los que se dieron cuenta El rey León buscaba y lograba el arte. Cuando Fagan, que mantuvo a sus bailarines aislados, presentó por primera vez el baile de las leonas a toda la compañía, Hoyle quedó inconsciente. Fue tan hermoso y muy conmovedor, dijo. Pero el baile era tan exigente que se preguntó cómo podrían hacerlo las mujeres ocho veces por semana. Si estás en una compañía de danza moderna, tal vez lo hagas tres noches y luego te tomas un descanso, dijo. No hubo descansos en El rey León. Nos empujaban más allá de los límites del cuerpo humano, dijo Vickery.

Taymor pasó mucho tiempo armando Circle of Life. Era el número de apertura y la puesta en escena tenía que capturar la espiritualidad de la canción. Comienza con la salida del sol sobre las Tierras del Reino. Podría hacer un amanecer con una proyección, dijo Taymor, pero me comprometí a hacer teatro en su forma más poética. Y eso suele ser minimalista. Hizo su amanecer con varillas de aluminio y trozos de seda. Era una pila en el suelo y luego, cuando ocurre esa increíble canción, la audiencia ve las cuerdas que la hacen subir, y supe que gracias a la iluminación de Don Holder y el aire natural, haría el brillo, dijo.

Era imposible ver en el estudio de ensayo lo que Taymor vio en su mente. No hubo efectos de iluminación. Los actores que interpretaban a las jirafas no podían usar sus tocados de cuello largo porque el techo era demasiado bajo. Y Pride Rock, diseñado por Richard Hudson para subir en espiral desde debajo del escenario, elevando a Mufasa, Sarabi y al bebé Simba, todavía se estaba construyendo en la tienda de escena.

A s Taymor se precipitaba hacia las vistas previas, Eisner se estaba preparando para inaugurar su teatro recientemente renovado en la calle 42. Con exenciones fiscales y subsidios, básicamente se nos otorgó el New Amsterdam, dijo. Pero ahora que Disney venía a Times Square, otras compañías también lo estaban, incluida AMC, la cadena de películas; Condé Nast, editor de Feria de la vanidad; y Madame Tussauds. Y directamente al otro lado de la calle de New Amsterdam, el empresario canadiense Garth Drabinsky estaba construyendo un teatro para su tan esperado Rag-time, un nuevo musical basado en E.L. La novela más vendida de Doctorow. Como El rey León, Rag-time fue un espectáculo musical, aunque mucho más tradicional en concepto y diseño que lo que Taymor estaba creando. Mientras tanto, Giuliani había implementado leyes de zonificación estrictas y una vigilancia rigurosa para deshacerse de la mayoría de los peep shows, traficantes de drogas, prostitutas y atracadores.

De izquierda a derecha, Tom Schumacher y Peter Schneider; Julie Taymor y Tom Schumacher; la directora Julie Taymor en los Tonys de 1998.Izquierda, centro, cortesía de Disney Theatrical Productions; derecha, Kathy Willens / A.P. Foto.

I n junio, El rey León La compañía se trasladó a Minneapolis para prepararse para su primera actuación pública el 8 de julio. Así comenzó uno de los ensayos técnicos más agotadores en la historia del teatro estadounidense. Taymor era un perfeccionista, se pasaba un día entero, por ejemplo, montando una escena que duró cinco minutos.

El primer día de ensayos, Taymor cayó enfermo. Resultó ser su vesícula biliar. Se lo quitaron, pero regresó al Orpheum al día siguiente. Dirigió mientras se reclinaba en un BarcaLounger. La tripulación lo apodó Bark-a-lounger porque ella le ladraba instrucciones a través de un micrófono.

Gran parte del trabajo de Taymor fue simple y poético. Un gran trozo de seda azul sacado de un agujero en el escenario simbolizaba una sequía. En duelo por la muerte de Mufasa, las leonas sacaron largos trozos de papel crepé blanco de los ojos de sus máscaras para connotar lágrimas. Pero la producción tenía algunos decorados enormes, que incluían Pride Rock y un cementerio de elefantes, ambos en espiral desde debajo del escenario. Taymor había resuelto el problema de organizar una estampida de ñus creando una serie de rodillos gigantes con ñus adheridos a ellos. El artilugio pesaba más de una tonelada. Y a veces los ñus volaban. La coreografía detrás del escenario era tan intrincada como lo era bajo las luces del klieg. Si estuvieras en el lugar equivocado en el momento equivocado, es posible que te maten, se quejó un actor. Los directores de escena le dijeron a Taymor que hubo tantos cambios de vestuario en el primer acto que fue un caos detrás de escena. La instaron a que volviera y echara un vistazo. No creo que deba, dijo, porque entonces me sentiré mal. Ustedes lo solucionan.

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Los artistas se lesionaron. Algunos bailarines llamaron al dueto de amor del programa Can You Feel the Pain Tonight. Disney empleó fisioterapeutas para masajear dolores de espalda y músculos. Los cuatro zancos de una de las marionetas de jirafa se agotaron un día y el actor se derrumbó, dijo Vickery. Por unos segundos pensamos que estaba muerto.

Los ánimos se caldearon. En otra ocasión, Vickery quedó varada en un ascensor del lado del escenario durante dos horas y, una vez extraída, explotó en Taymor. Sobre todo eso estaban Schneider y Schumacher. Como se señaló anteriormente, Schneider a veces perdía la calma si no comía. (Come carne, Pete, le decía la gente.) Schumacher, el gran idiota, como lo llamaba Eisner, hacía bromas para calmar situaciones tensas. Sin embargo, tenían sus propias preocupaciones. El rey León no estaba dibujando tan bien como esperaban. Salió a la venta en Nueva York esa primavera y rápidamente recaudó $ 5 millones. Pero en el verano, las ventas disminuyeron. Y no fueron muy buenos en Minneapolis. La vista previa del 8 de julio solo se vendió la mitad. Pensaron en cancelarlo. Todavía no habían dirigido el espectáculo de principio a fin. Pero se prepararon y siguieron adelante con la primera actuación pública.

T La casa quedó a oscuras. Entonces Tsidii Le Loka, como Rafiki, rompió el silencio con un canto zulú. Llamó a dos cantantes sudafricanos en el balcón. Llamaron de vuelta. La orquesta comenzó a tocar, lentamente al principio, el tema de Elton John mientras el sol gigante, nada más que aluminio y seda, se elevaba desde el fondo del escenario. Dos marionetas de jirafa de tamaño natural aparecieron desde el escenario a la izquierda. Una marioneta de guepardo apareció desde la derecha del escenario, lamiendo su pata. Una mujer pájaro revoloteó por el escenario, seguida por tres cebras, con la cabeza pegada al pecho de los titiriteros y los cuartos traseros pegados al lomo de los titiriteros. Tres bailarines, sosteniendo títeres de gacelas en ambas manos con una tercera gacela unida a sus cabezas, saltaron por el escenario.

La audiencia, atónita por la belleza de lo que estaba viendo, comenzó a vitorear. Los niños se pararon en el regazo de sus padres para asimilarlo todo. Luego se dieron la vuelta para ver una procesión de animales (un rinoceronte, más aves aves, un elefante gigante seguido por su bebé) que se abría paso por los pasillos del teatro. El actor Kevin Cahoon, mirando por una rendija en la pierna del elefante, vio miradas de asombro en los rostros de niños y adultos. Las personas se agarraban unas a otras y señalaban a todas partes. Se dio cuenta de que muchas personas se secaban las lágrimas. Pride Rock subió en espiral desde debajo del escenario. Mufasa y Sarabi, sosteniendo al bebé Simba, subieron a la cima. Rafiki se unió a ellos para bendecir al cachorro de león. Cuando tocó la última nota de la canción, sostuvo a Simba muy por encima de su cabeza para que todos la vieran. Apagón.

Y luego vino un rugido de la audiencia diferente a todo lo que los artistas habían escuchado en un teatro. La gente estaba parada en sus asientos, vitoreando y aplaudiendo. En la parte trasera de la casa, Taymor, Schumacher y Schneider se miraron y rompieron a llorar.

John Vickery no estaba en el número de apertura. Estaba en la siguiente escena. Cuando terminó Circle of Life, pensó: ¿Cómo diablos voy a seguir esto? Fue como seguir a los Beatles, dijo.

Hubo muchas otras maravillas en el camino, desde las cabezas de hierba, hasta el baile de las leonas, hasta el rostro gigante de Mufasa que se materializó de la nada. El espectáculo puede haber sido un poco largo. Pero a la audiencia no le importó. Se habrían quedado toda la noche. En la segunda semana no había asiento disponible. El rey León fue el mayor éxito que Minneapolis había visto jamás.

B ack en Nueva York, La ejecutiva de publicidad teatral Nancy Coyne y su director creativo, Rick Elice, estaban perfeccionando una sofisticada campaña publicitaria, presentando el musical no como otro espectáculo de Disney para niños, sino como un triunfo artístico. Estaba destinado a atraer, como dijo Elice, a los entendidos, los creadores de tendencias, los creadores de opinión, las personas que no irían a ver La bella y la Bestia, pero quién irá a ver la brillante obra de arte de Julie Taymor.

El agente de prensa Chris Boneau ya estaba trabajando en los cognoscenti. El dio Hora acceso exclusivo al equipo creativo durante la prueba de Minneapolis. El artículo favorable alertó Hora Millones de lectores que El rey León no era La bella y la Bestia, y que Julie Taymor era un genio.

Samuel E. Wright como Mufasa.Por Joan Marcus.

La Noticias diarias de Nueva York me envió a ver el programa. Con algo de tiempo para matar la noche en que llegué a Minneapolis, me acerqué al Orpheum para escuchar a escondidas. Caminé hasta la parte trasera del teatro unos minutos después de que comenzara el espectáculo y escuché un sonido extraño. Fue un rugido que atravesó el muro de hormigón. Al día siguiente tomé asiento en la orquesta. Escuché que el programa era bueno, pero era escéptico. No me importaba La bella y la Bestia, y aunque admiraba a Taymor, no podía ver cómo encajaba en el Reino Mágico. Francamente, esperaba un desastre en el aire, como escribió Tim Rice. Sin embargo, al final de Circle of Life, yo también estaba de pie, con otros 1.500 miembros de la audiencia, gritando y aplaudiendo. Después del espectáculo conocí a Schneider, Schumacher y Taymor. Me preguntaron qué pensaba. Creo que tienes el mayor éxito en tus manos desde El fantasma de la ópera, Dije.

T sombrero de octubre El rey León jugó su primer avance en el New Amsterdam. Disney invitó a la presentadora del programa de entrevistas Rosie O'Donnell, árbitro de la escena teatral, a una vista previa temprana. Regresó al día siguiente con su hijo de dos años. En su programa de televisión, lo llamó el mejor programa que había visto en su vida e instó a sus millones de espectadores a comprar boletos antes de que salieran las críticas. Ese respaldo, junto con el tremendo boca a boca que corría por la ciudad, llevó el avance a casi $ 20 millones para el 13 de noviembre, la noche del estreno.

Para el estreno, O'Donnell volvió una vez más. Elton John, al ver una presentación en vivo por primera vez, se quebró en el intermedio y les dijo a sus amigos que a la princesa Diana, muerta ese verano en un accidente automovilístico en París, le habría encantado. El director Francis Ford Coppola, de pie en su asiento, encabezó la ovación de Taymor en el telón de fondo.

Garth Drabinsky, cuyo Rag-time estaba a punto de comenzar las vistas previas en el otro lado de la calle 42, se sentó frente a mí esa noche. Se unió a la ovación de pie, pero noté que el color había desaparecido de su rostro.

T El siguiente mayo El rey León recogió 11 nominaciones Tony para Rag-time 13. Ambos fueron nominados a mejor musical. La estrategia de Tony de Drabinsky era simple: lleve a casa el punto que Rag-time, que había recibido críticas mixtas de los críticos, era sin embargo un nuevo musical estadounidense importante. Los votantes de Tony pueden estar impresionados con los títeres de Taymor, pero seguramente no iban a dar la corona a un espectáculo infantil.

Schneider y Schumacher querían el Tony al mejor musical, por supuesto. Validaría a Disney como una fuerza artística en Broadway. Pero eran realistas, pensando que tendrían que conformarse con el mejor director para Taymor, junto con una gran cantidad de premios de diseño. No obstante, pasaron semanas volando de un lado a otro entre Los Ángeles y Nueva York, asistiendo a conferencias de prensa y encuentros y saludos, tratando de poner un rostro humano a la producción de Disney. Vivíamos en el jet corporativo, señaló Schumacher. Teníamos nuestro pijama en el avión.

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Jason Raize.Por Joan Marcus.

Justo antes de los premios Tony, Disney organizó un cóctel en el Rainbow Room. Schneider y Schumacher se me acercaron y me Newsday el columnista de teatro Patrick Pacheco, otro campeón de El rey León. Vamos a perder esta noche, ¿no? Schneider nos preguntó con los dientes apretados. Sí, dijimos. El rey León es un espectáculo ingenioso, pero el premio mayor será para Rag-time porque es un musical tradicional de Broadway.

La noche de los Tony, Michael Eisner ni siquiera se molestó en asistir. Fui a la La bella y la Bestia uno y fue una experiencia tan horrible que no quería volver a pasar por eso, dijo.

Poco después de la ceremonia, O'Donnell presentó el número de apertura de Rag-time, llamando al programa un éxito de taquilla lleno de estrellas. La audiencia respondió con entusiasmo. Como se esperaba, El rey León arrasó en los premios de diseño y Taymor se convirtió en la primera mujer en ganar el premio a la mejor directora de un musical. Rag-time ganó por su libro y música, y Audra McDonald ganó el premio a la mejor actriz destacada en un musical. Los Tonys, a la vista de la prensa del teatro, acurrucados en un búnker en las profundidades del Radio City Music Hall, se desarrollaban como habían predicho.

Y luego el elenco de El rey León realizó Circle of Life, y 6.000 personas se pusieron de pie y vitorearon y vitorearon. El rey León, O'Donnell dijo que cuando terminó el número, es el programa más asombroso que he visto en mi vida. El estado de ánimo estaba cambiando. Pero Schneider y Schumacher todavía tenían sus dudas. Tenían un coche esperando junto a la acera para llevarlos tan pronto como terminara la transmisión. Durante la pausa comercial final, O'Donnell le dijo a la audiencia: Está bien, chicos, estamos en contra. Solo nos queda un minuto. Nathan Lane, el presentador, estará en posición. Estamos cortando su pre-cosa. Simplemente dirá los nominados y luego dirá quién ganó. Sea quien sea, diga gracias. No hay tiempo para un discurso. Bajar.

La transmisión se reanudó. Lane corrió al escenario, miró su reloj y recitó a los nominados. Y el mejor musical nuevo de 1998 es ... El rey León. Sus cejas se levantaron tan alto que casi golpearon el techo de Radio City. Schneider y Schumacher corrieron por el pasillo, Schumacher tropezó con un cable. Dieron un breve discurso, luego salieron corriendo del escenario y se encontraron con Isabelle Stevenson, la directora del American Theatre Wing y la gran dama de Broadway. Ella los tomó en sus brazos y dijo: Yo voté por ustedes, muchachos.

El espectáculo, de hecho, duraría casi una generación. En marzo, El rey León estaba en su 23º año consecutivo en Broadway, antes de que COVID-19 cerrara todas las actuaciones en Great White Way. Solo en la ciudad de Nueva York, el musical recaudó más de mil millones de dólares. Ha habido más de 24 producciones en todo el mundo. En total, el programa había recaudado casi $ 9 mil millones, poniéndolo a la par con la franquicia de Star Wars y Grand Theft Auto. Eisner tenía razón cuando le había dicho a Taymor: cuanto mayor es el riesgo, mayor es la recompensa.

Adaptado de Singular Sensation: El triunfo de Broadway, por Michael Riedel, que será publicado en noviembre por Avid Reader Press, una división de Simon & Schuster. © 2020 por el autor.

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