El final de Mother!: ¿Qué significa todo?

Crédito de la foto: Niko Tavernise

¡Mamá! cerebro Darren Aronofsky ha dicho que está abierto a que el público interprete su drama de pesadilla surrealista, que se estrenará el viernes, de varias maneras. Él personalmente describió la película como un asalto y un sueño febril. Estrella Jennifer Lawrence admitido que no es tanto una película de terror como una alegoría gigante, y que la película solo se clasificó como de terror porque querían preparar mentalmente al público para las atrocidades representadas gráficamente en la pantalla. Y la semana pasada, en el estreno del Festival de Cine de Toronto, coprotagonizó Ed Harris bromeó, todavía no estoy muy seguro de qué pensar de todo esto. Inexpresivo Javier Bardem: Básicamente, no sabía lo que estaba haciendo. . . Ni siquiera hablo realmente inglés.



[ Spoilers a continuación: ¡no lea a menos que haya visto la película! ]



Pero que lata que hacemos del simbolismo de la película? ¿Y qué significa la obra de castigo final de 25 minutos de la película, en la que el personaje de la Madre Tierra de Lawrence es quemado, golpeado y devastado más allá del reconocimiento? A continuación, buscamos en nuestras entrevistas con Aronofsky, Lawrence y el diseñador de producción. Felipe Messina —Así como conversaciones en otros lugares— en busca de pistas.

EL PANORAMA

Según Lawrence, la película describe la violación y el tormento de la Madre Tierra. No es para todos, advirtió. El Telégrafo. Es una película difícil de ver. Pero es importante que la gente comprenda la alegoría que pretendíamos. Que sepan que represento a la Madre Tierra; Javier, cuyo personaje es un poeta, representa una forma de Dios, un creador; __Michelle Pfeiffer)) es una Eva para el Adán de Ed Harris; están Caín y Abel; y el escenario a veces se parece al Jardín del Edén.



EL TÍTULO

Aronofsky ha dicho que la extraña puntuación del título es un indicio de la vertiginosa conclusión de 25 minutos de la película: su signo de exclamación cinematográfico es una secuencia en la que el personaje de Lawrence, Madre, se abre paso a través de un sueño febril de cinco partes, culminante, de horrores que han caído sobre su querida creación.

El Washington Post señala que, antes de decidirse por ¡Mamá! como título, Aronofsky jugó con otra pista de marquesina, dando a su película el nombre de trabajo de Sexto día —Un guiño al día en el libro de Génesis en el que Dios creó a la humanidad y le dio dominio sobre la Tierra.

El Telégrafo se basa en el Génesis paralelos, agregando el siguiente contexto:



Verá, las creaciones de Dios tienen una tendencia a volverse locas, lo que lo lleva a lavar continuamente su trabajo y comenzar de nuevo una y otra vez hasta que las cosas marchan mejor.

El personaje de Bardem también está obsesionado con un cristal misterioso que guarda en su oficina, que nadie puede tocar, y que a menudo se aprovecha de la naturaleza amable de Lawrence. Pero se lo toma con calma, insistiendo en que su marido es un genio muy especial y necesita tiempo y espacio para crear su próxima obra.

LOS VISITANTES

En primer lugar, el Adam alegórico de Aronofsky aparece en la puerta de Lawrence y Bardem, y se abre camino a una estancia temporal en el dormitorio de invitados de la pareja. Parece estar muriendo y, en una escena, Lawrence entra con Harris doblado sobre un inodoro en agonía: su costilla está notablemente magullada.

Poco después, Lawrence está en el baño cuando el inodoro se atasca. Lo sumerge, solo para que un órgano rojo salga a la superficie en la taza del inodoro. Mientras que algunos espectadores asumieron que la parte del cuerpo era un corazón, el diseñador de producción Messina interpretó el detalle del guión como el momento en la Biblia cuando Dios toma la costilla de Adán y crea a la Mujer. Mi interpretación fue que era el pedazo de Adán que se había desprendido. Porque [Bardem] estaba en el baño con el cirujano. Es evidente que tiene una herida en la espalda y en la caja torácica. Y a la mañana siguiente, aparece su esposa. No estoy diciendo que eso sea lo que fue, pero esa fue mi interpretación.

En cuanto a Pfeiffer, Aronofsky dijo Feria de la vanidad que la actriz estaba interpretando este tipo de personaje de Eva, el primer personaje femenino. Estaba tratando de pensar, '¿Qué era Eva? ¿Quién era Eva? '' Y le dije que era traviesa, si tuviera que pensar en un rasgo. Se podría imaginar que se comiera la manzana con picardía, dijo Aronofsky. (Aunque en su versión, el cristal de Bardem es la fruta prohibida). Entonces dije: 'Juega eso' y ella lo tomó y se convirtió en este gato que juega con un ratón de Jen Lawrence.

Aunque el carácter de Bardem es ocasionalmente afectuoso con la Madre, no puede resistirse a sus adoradores y continuamente invita a más a su hogar.

EL INODORO DESBORDADO

Hablando de eso, Messina proporcionó algunos detalles más sobre este momento de Cronenberg-ian.

Como espectador, esto es todavía lo suficientemente temprano en la película en el que piensas que este es un entorno real y no estás muy seguro de cuán loco se va a poner este mundo, dijo Messina. En el set, lo llamamos pechuga de pollo. Era como una pieza amorfa y carnosa. Para mí, era demasiado asqueroso para ser un corazón. Estaba hecho de silicona. Parecía una medusa con más masa. Tenía zarcillos. Lo llamamos ano palpitante por la forma en que se abrió. Darren fue muy específico sobre cómo, cuando lo enjuagó, se atasca y vuelve a subir.

Filmamos esa cosa en el baño, creo, tres veces diferentes para hacerlo bien, así que todo fue un efecto físico en el set. Eso estaba todo ahí. . . literalmente disparar ese inodoro toma tras toma porque tienes que tirar bien de la cadena. Dios, fueron tantas discusiones sobre el baño.

LOS OCTAGONES

Aronofsky no pensó en la forma hasta que él y Messina comenzaron a investigar las casas victorianas. Descubrieron que algunas casas victorianas en realidad se construyeron en forma de ocho lados, explicó Aronofsky, porque los científicos creían que era la forma perfecta para el cerebro.

Cuanto más leía Aronofsky sobre la forma, más la abrazó. En la película, aparece en todas partes, desde la huella de la oficina de Bardem hasta los accesorios de iluminación, los cristales de las puertas y los marcos de los cuadros.

Existen todas estas teorías de la alquimia sobre el octágono y las creencias numéricas sobre el número ocho y sobre el infinito y la regeneración, dijo Aronofsky, y agregó que también le dio una nueva dimensión literal con la que jugar en términos de cinematografía. La razón por la que me gusta la forma de octágono como cineasta fue cuando disparé a través de una puerta, no estás mirando una pared plana. Estás mirando una pared diagonal que agrega profundidad y solo hace que las cosas sean más interesantes.

LAS BEBIDAS DE ELIXIR LAWRENCE

Parece Emergen-C naranja que el personaje de Lawrence rechaza varias veces a lo largo de la película. Y Messina dijo que el significado del elixir está abierto a interpretación.

Esta película viene de la mente de Darren, pero realmente quería que las personas que lo rodeaban la interpretaran y dieran sus opiniones al respecto, dijo Messina sobre el proceso de producción. Dadas las películas que ha hecho Darren, como Réquiem por un sueño ¿se está dosificando ella misma? Messina se preguntó si Feria de la vanidad, señalando que la película se cuenta completamente a través de la perspectiva de Lawrence con cuidadosos ángulos de cámara. '¿Esto realmente está sucediendo? ¿Es todo esto un sueño?

Darren nunca lo explicó realmente, dijo Messina. Hablamos sobre la sensación y cómo él quería que se sintiera, pero nunca dijo: 'Así que la tintura es esta'.

Para mí, la tintura fue algo que la conectó a la tierra, la trajo de regreso. A medida que la humanidad comienza a entrar por la puerta, comienzas a ver el daño que le están haciendo a su mundo, a su casa. El tipo de oscuridad que ocurre, la degradación, los pequeños pedazos de destrucción que comienzan a suceder. Y la tintura, de alguna manera, creo, fue una automedicación.

CONEXIÓN DE LA MADRE A LA CASA

En varios puntos de la película, el personaje de Lawrence extiende la mano y toca las paredes de la casa, sintiendo algo dentro de ellas. Tanto Lawrence como Aronofsky han hablado de un gran avance en el carácter de Mother, que es la idea de que la casa que construyó desde cero es una extensión de ella.

A los dos se nos ocurrió la idea de que ella debería andar descalza durante toda la película y estar más conectada con la casa, que era una especie de parte de ella, un organismo, así que se quitó los zapatos y puso los pies en el piso de madera y La vi cambiar y se convirtió en el personaje, dijo Aronofsky.

Messina dijo que él y Aronofsky pasaron mucho tiempo discutiendo la conexión directa, visual y emocional de la madre con la casa. Se llamó 'la oscuridad de su imaginación', los momentos en los que toca las paredes y tiene esta conexión directa, vista como casi un corazón que late, una estructura más orgánica dentro de la casa a la que estaba conectada.

En cuanto a los momentos en que Lawrence pasa el dedo por el suelo de madera, Messina y Aronofsky tuvieron muchas discusiones sobre qué tipo de textura requería la madera. ¿Queremos que la madera se astille? ¿Queremos que quede blando?

Solo recuerdo a Darren diciendo: 'No, es como una herida, una herida que brota'. En algún momento tuvimos que dejar de lado la literalidad de lo que estábamos haciendo. Es una casa, pero no es una casa. Es un piso de madera, pero en realidad no es un piso de madera. Tienes que mantener esas reglas de lo que es la realidad en algún lugar, pero romperlas en una interpretación más amplia de lo que estábamos tratando de hacer.

EL FREGADERO

Cuando los invitados asaltan la casa para un funeral, dos rompen un fregadero que Lawrence ha estado suplicando que nadie toque. El agua entra en la casa, una pequeña inundación de Noé, y los invitados finalmente son ahuyentados.

EL FINAL

Aronfsky se refirió a la obra final de 25 minutos, una inquietante escalada de imágenes violentas, como uno de mis mejores logros, simplemente porque es una pesadilla. Simplemente se construye y se construye sobre la documentación de los horrores de nuestro mundo, y arroja a una mujer embarazada en él.

En el lapso de la última media hora, Aronofsky, de manera algo increíble, traza las plagas bíblicas y la historia del mundo en una secuencia vertiginosa. Mientras está muy embarazada, Lawrence se araña a sí misma a través del laberinto de horrores hasta encontrar silencio en una habitación del piso de arriba.

Messina dijo: Hablamos extensamente sobre los últimos 30 minutos y cómo podríamos hacerlo a escala. La casa era un escenario grande, pero no tan grande como parecía en la película. Tuvimos que hacer que pareciera un laberinto y desorientador. Hubo discusiones sobre, '¿Cómo organizamos una guerra y policía antidisturbios y cócteles Molotov en esta gran casa?' En un momento hablamos de dejar que la casa se hiciera más grande físicamente, y consideramos mover las paredes y construir una versión más grande. Pero Darren realmente quería sentir siempre que la casa todavía estaba allí. Como si nunca hubiéramos salido de casa. Que siempre fue una presencia. Así que, físicamente, todas esas escenas tuvieron lugar en el mismo espacio en el que filmamos toda la película. No hubo ningún truco allí.

Tuvimos estas reuniones de mapeo en las que pensamos, está bien, esto va a ser el apocalipsis con toda esta ceniza, y ella se arrastra sobre los cuerpos. Esta será la parte en la que el tipo reciba un disparo en la cabeza. Esta es la parte donde la gente está en trincheras. Esta es la parte en la que es un campo de refugiados. Literalmente estábamos cambiando cosas mientras las filmamos. Solo había un set, así que cuando estaban filmando una escena, entramos por la noche y comenzamos a destruir más paredes o construir el campo de refugiados. Todas las mañanas, o cada dos mañanas durante ese período de rodaje, la casa cambiaba drásticamente. Tuvimos muchas discusiones sobre cómo pasamos visualmente de uno de estos mundos a otro.

A eso se le llamó el sueño febril cuando lo estábamos filmando. Entonces, en el sueño febril, eran como cinco mundos diferentes a los que estábamos haciendo la transición.

QUE KRISTEN WIIG CAMEO

De Kristen Wiig El casting como el editor de Bardem fue pura coincidencia, lo que casó bien con la aspiración de Aronofsky de crear un sueño febril para el público.

Había actores con los que estábamos hablando, pero cuando escuché que Kristen estaba disponible, dije: 'Claro', explicó Aronofsky. Creo que funciona con todo el extraño ambiente de ensueño de la película. Que de repente aparece este rostro familiar. No quiero decir que Kristen aparezca en una pesadilla, pero es muy extraño y extraño. No te lo esperas, y en cierto modo atrae al público. Creo que es solo otra forma de que la gente diga: '¿Qué está haciendo?' Y ver a su personaje tomar todos esos giros sorpresivos que nunca esperarías de ella. Fue divertido y se trataba de darle al público un pequeño obsequio en medio de la película.

EL BEBÉ

La Madre Tierra da a luz a un bebé que quiere proteger de los males que se arremolinan en su propia casa. Ella permanece despierta durante días, negándose a entregar al bebé a Bardem por temor a que lo comparta con sus adoradores. Cuando se duerme, Bardem hace precisamente eso. Sus adoradores rápidamente rompen el cuello del bebé en su frenética excitación, lo desmembran y comen partes de su cuerpo, literalmente consumiendo el cuerpo y la sangre de Cristo.

Abrumada por la rabia (¡comprensible!) Y negándose a escuchar a su esposo, quien le suplica que perdone a los adoradores, Lawrence se encarga de destruir todo en el hogar que ha creado.

LA IMAGEN DE BARDEM TOMANDO EL CORAZÓN DE MADRE

Por improbable que parezca, Aronofsky dijo que el libro para niños El árbol que da parcialmente inspirado ¡Mamá!, una de las películas más inquietantes de los últimos tiempos.

Al final de la película, Bardem saca a Lawrence —quemado más allá del reconocimiento— de las cenizas de su casa demolida. Le pide una cosa más.

Te lo di todo, le dice Lawrence a su marido. No me queda nada para dar.

Cuando Bardem señala que ella todavía tiene corazón, ella le da permiso para tomar eso también. Él hunde su mano en su cavidad torácica y saca su último trozo de vida.

Aquí hay un árbol que lo entrega todo por el niño, dijo Aronofsky sobre el paralelo. Es más o menos lo mismo.

En un guiño a la religión hindú, que afirma que Dios creó y destruyó el universo infinitas veces, el ciclo comienza de nuevo: ¡cenizas, cristal, un nuevo hogar, una nueva Madre!

¡¿POR QUÉ?!

Creo que Hubert Selby Jr., el autor de Réquiem por un sueño Dijo que hay que mirar hacia la oscuridad para ver la luz, explicó Aronofsky. Es importante reflexionar sobre nosotros mismos y pensar en lo que realmente está sucediendo en el mundo para poder cambiar de rumbo.