¡Mamá! El autor intelectual Darren Aronofsky explica su inquietante sueño febril

Cortesía del Festival de Cine de Venecia.

Antes de proyectar su espectáculo de terror surrealista ¡Mamá! en el Festival Internacional de Cine de Toronto la semana pasada, Darren Aronofsky Hizo algo extraño por un cineasta: se disculpó.

Perdón por lo que estoy a punto de hacerte, le dijo a los cinéfilos desde el escenario, donde estaba flanqueado por sus estrellas. Jennifer Lawrence, Javier Bardem, y Ed Harris. (El cuarto miembro de su cuarteto, Michelle Pfeiffer, estuvo ausente del festival). Hasta ese momento, el cineasta nominado al Oscar ( Réquiem por un sueño Cisne negro ) había sido reservado sobre su proyecto Paramount, describiéndolo como un asalto y un misil de crucero disparado contra una pared.

La cuidadosa redacción de Aronofsky no fue inexacta. ¡Mamá! concluye con un feroz crescendo de 25 minutos, sometiendo a la estrella Lawrence, una madre Tierra deslumbrante, a todo tipo de atrocidades y actos violentos provocados por el hombre dentro de la casa octogonal que ella restauró amorosamente desde cero. Bardem interpreta a su marido, un poeta egocéntrico torturado por la tarea de la creación. Harris y Pfeiffer coprotagonizan como un cirujano desconcertante y su seductora esposa, quienes toman la ocupación en la casa de la pareja y ponen en marcha la obra destructiva que gira dentro de sus palpitantes paredes.

El día después de debutar la película en Toronto, Aronofsky se sentó serenamente dentro de una habitación de hotel, con el pañuelo de la firma envuelto alrededor de su cuello, disfrutando de la conversación que ¡Mamá! había chispeado.

Uno de los aspectos más destacados de mi vida fue después de que hice Pi y entraba a una cafetería escuchando a la gente hablar sobre la película, dijo Aronofsky Feria de la vanidad —Haciendo referencia a su debut como director en 1998, otro thriller psicológico que generó mucha conversación, junto con su carrera. Estaría escuchando a escondidas durante media hora. Lo peor que podría hacer sería una comida desechable. Tiras el envoltorio y olvidas lo que tenías.

Para entender el inicio de ¡Mamá!, ayuda saber que Aronofsky es un ecologista apasionado quien estudió como biólogo de campo en Kenia y Alaska mientras aún estaba en la escuela secundaria. Hablando de su última película, un tipo diferente de epopeya bíblica, Noé —Advirtió que llevaba una enorme declaración. . . sobre la inundación venidera del calentamiento global.

La idea de ¡Mamá! Llegó una mañana cuando Aronofsky estaba solo en su casa. Había estado contemplando su total impotencia para combatir la destrucción ambiental del mundo: la crisis del calentamiento global, el colapso de los ecosistemas, la extinción a un ritmo alarmante. Decidió darle vueltas a una historia en torno a una sola emoción, la rabia, y pasó los siguientes cinco días escribiendo sobre cómo debe sentirse ser la madre naturaleza, el guión brotando de él como un sueño febril. El resultado es un thriller psicológico cargado de simbolismo religioso y medioambiental, y algunos guiños a la inspiración inesperada.

Otra gran influencia en la película fue El árbol que da, Dijo Aronofsky, haciendo referencia al libro de imágenes de Shel Silverstein. Inspiró la relación central de la película, entre el personaje principal y todos los que la rodean. Aquí hay un árbol que lo da todo por el niño. Es más o menos lo mismo.

Aronofsky no había escrito el guión pensando en Jennifer Lawrence. De hecho, cuando se enteró de que la actriz ganadora del Oscar quería conocerlo, se quejó con su productor de que volar a Atlanta, donde Lawrence estaba filmando Pasajeros —Fue una pérdida de día porque no creía que la actriz estuviera disponible o que estuviera interesada en su proyecto. Pero Lawrence, movido por la idea que le presentó Aronofsky, firmó de inmediato.

Con Lawrence prestando su poder de estrella al proyecto, la película se hizo en un solo año. (Aronofsky dijo Nueva York revista en agosto que no fue una [película] tan difícil convencer a la gente de [hacer]. Me imagino que probablemente tenga que ver con el hecho de que le asignamos a Jen Lawrence como primer paso).

Después de un proceso de ensayo de tres meses, Lawrence se sumergió en el personaje tan completamente que en un momento hiperventiló lo suficiente como para dañar una costilla. Su apropiado proceso de fuerza de la naturaleza era diferente a cualquier otro que Aronofsky hubiera visto en sus anteriores protagonistas, incluyendo Jennifer Connelly, Natalie Portman, y Ellen Burstyn. Ella canalizaría tan rápida y completamente el tormento de su personaje mientras filmaba que el equipo de producción construyó una carpa donde podía ver episodios de Estando al día con las Kardashians descomprimir entre tomas. Después de escenas especialmente inquietantes, escuchaba música navideña para exportarla inmediatamente fuera de la experiencia. Bruce Springsteen Santa Claus Is Coming to Town era un favorito poco probable.

Con Jen es muy extraño, dijo Aronofsky. Ella es una autodidacta. Nunca ha tomado una clase de actuación y es completamente autodidacta. Ella absorbe toda la información y en el segundo que la obtiene, hace clic. Simplemente está ahí y cobra vida.

El personaje es realmente diferente a cualquier cosa que haya hecho, así que traté de encontrar esta nueva parte de mí mismo que ni siquiera sabía que tenía, Lawrence. dijo Feria de la vanidad en Toronto. No sabía que podía ser vulnerable. A medida que avanza la película, se me exigió más y más, y fue agotador y oscuro.

Es una habilidad única, porque ella está más involucrada durante la filmación que nadie, dijo Aronofsky. Y luego, tan pronto como llames a cortar, ella es Jen Lawrence. Ella está bromeando. Ella estaba leyendo cumbres borrascosas mientras filmaba, para que se fuera a leer su libro. Decíamos: 'Jen, te necesitamos', y ella regresaba y dejaba el libro en la pequeña repisa [de la casa]. Yo decía: 'Jen, no está allí'. Y ella decía: 'Lo voy a agarrar en un segundo de todos modos'. Y yo decía, 'Está bien, está bien'. y ella se convierte en Madre, y en el momento en que dices cortar, se marcha. No sé cómo lo hace.

Para Aronofsky, la película fue un proyecto de arte en evolución que acumuló nuevas capas de simbolismo durante cada etapa de producción. Por ejemplo, el tema octogonal, visto en la forma de la casa, los accesorios de iluminación, los paneles de las puertas, los marcos de cuadros y más, no tomó una forma literal hasta que Aronofsky comenzó a trabajar con el diseñador de producción. Philip Messina. La pareja descubrió en su investigación que algunas casas victorianas en realidad se construyeron en forma de octágonos porque, dijo Aronofsky, en ese momento, los científicos creían que era la forma perfecta para el cerebro.

A Aronofsky le gustó la idea de que el número ocho significa resurrección y regeneración en la Biblia. Y la forma octagonal también ofrecía una ventaja cinematográfica: cuando filmamos a través de una puerta, no estás mirando una pared plana. Estás mirando una pared diagonal que agrega profundidad y solo hace que las cosas sean más interesantes, explicó.

El caso del casting Kristen Wiig, en quizás uno de los cameos más extraños jamás comprometidos con el cine, fue pura coincidencia, que se casó bien con la ambición febril de Aronofsky.

Aronofsky explicó que él no eligió el papel, ella interpreta a la editora de Bardem, hasta el último minuto.

Había actores con los que estábamos hablando, pero cuando escuché que Kristen estaba disponible, dije: 'Claro'. Creo que funciona con todo el extraño ambiente de ensueño de la película. Que de repente aparece esta cara familiar. No quiero decir que Kristen aparezca en una pesadilla, pero es muy extraño y extraño. No lo esperas, y en cierto modo arroja al público. Creo que es solo otra forma de que la gente diga: '¿Qué está haciendo?' Y ver a su personaje tomar todos esos giros sorpresivos que nunca esperarías de ella. Fue divertido, y sobre dar al público un pequeño obsequio en medio de la película.

Saliendo de Noé, con su presupuesto de 125 millones de dólares y la bonanza de efectos especiales, Aronofsky pensó erróneamente que hacer ¡Mamá! dentro de una sola casa sería un paseo por el parque.

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Terminó siendo técnicamente una de las cosas más difíciles que tuvimos que hacer, porque tuvimos que lidiar con cientos de extras, dijo. En realidad, hay más efectos visuales en esta película que en Noé.

Aronofsky considera ¡Mamá! La secuencia final de 25 minutos, un crescendo de violencia profundamente inquietante, uno de mis mejores logros, solo porque es una pesadilla. Simplemente se construye y se construye sobre la documentación de los horrores de nuestro mundo, y arroja a una mujer embarazada en él.

La propia Lawrence dijo que después de ver las imágenes desplegadas en la pantalla grande en el Festival de Cine de Venecia, ella estaba temblando y se preguntó si habían ido demasiado lejos. Aunque Lawrence ha dicho que está orgullosa de la película y espera que inspire al público a mostrar más empatía, Lawrence también le dijo a los espectadores del Festival Internacional de Cine de Toronto: No sé si haría una película que me hiciera sentir así de nuevo. .

En cuanto a Aronofsky, aclaró: Creo que es importante que la gente reconozca que no estoy tolerando la violencia en la película. Algunas personas pueden pensar: 'Oye, está mal'. Pero queríamos mostrar la historia del mundo y cómo se siente ser ella. Y lo que nosotros, como especie, le hacemos. . . También queríamos hacer algo que dejara indiferente a la gente.

Aronofsky dijo que editó algunas escenas que iban un poco demasiado lejos, pero no hizo ningún cambio importante en la postproducción. Debido a que la película es una construcción climática tan cuidadosamente diseñada, eliminar una atrocidad en la pantalla habría sido como alterar un juego de Jenga.

Algunos críticos han calificado la secuencia final, particularmente lo que se le hace a Lawrence, misógino. Semanal de entretenimiento incluso titulado su revisión Jennifer Lawrence pasa por el escurridor de tortura y pornografía.

Pero Aronofsky tiene una respuesta para esas personas: se pierden todo el punto. Es misoginia si dice que esto es bueno. . . Creo que [cualquier repugnancia por escupir es] como una reacción inicial a un puñetazo. Contamos la historia de la madre naturaleza convirtiéndose en energía femenina y contaminamos la tierra. La llamamos suciedad. No limpiamos después de nuestro desorden. La perforamos. Talamos sus bosques. Aceptamos sin retribuir. Eso es lo que es la película. Haciendo referencia al huracán Irma, que estaba aterrizando en Florida cuando se estrenó la película, Aronofsky agregó: Naomi Klein, una de las grandes ecofeministas que hay, me envió un mensaje de texto ayer, hablando de la ironía de la película que se estrenó ayer con lo que está sucediendo ahora mismo en Estados Unidos.

Aronofsky ha demostrado a través de sus imágenes inquietantes que no tiene miedo de crear imágenes profundamente perturbadoras, o de cortejar la controversia para estimular la conversación.

La oscuridad no es algo que me dé miedo. Creo que Hubert Selby Jr., el autor de Réquiem por un sueño Dijo que tienes que mirar a la oscuridad para ver la luz. Es importante reflexionar sobre nosotros mismos y pensar en lo que realmente está sucediendo en el mundo para poder cambiar de rumbo.