Boogie Nights

Cuando hicimos Love to Love You Baby, sabíamos que era algo innovador, pero nadie sabía que la gente se subía al carro y de repente todo el mundo se volvería disco. —Donna Summer

Después de Saturday Night Fever, queríamos hacer un póster, con los tres en los cuerpos de Rambo, con ametralladoras, y al fondo había un cuerpo con un traje blanco, acribillado a balazos y la bola de espejos, todos disparados. en pedazos. —Maurice Gibb, 1987.

El ritmo de la discoteca se creó para que los blancos pudieran bailar. —Bethann Hardison.

[#image: / photos / 54cbfc9e44a199085e893de8] ¡Aprende a agitar tu ritmo!

Algunos dicen que la escena de los clubes de baile comenzó en la década de 1960 en la ciudad de Nueva York, con discotecas: Regine's, Le Club, Shepheard's, Cheetah, Ondine y Arthur, que abrió Sybil Burton después de que Richard Burton la dejara por Elizabeth Taylor. Arthur, llamado así por la broma de George Harrison en La noche de un día duro (¿Cómo llamarías a ese peinado? Arthur) —fatizó D.J. Terry Noel, quien pudo haber sido la primera persona en tocar dos discos simultáneamente para crear una mezcla. Arthur atrajo a la misma multitud de celebridades que había estado viviendo en los barrios bajos en el Peppermint Lounge, un bar de buscavidas en Times Square, donde Judy Garland y Jackie Kennedy hicieron el Twist con el instructor de baile Killer Joe Piro.

Algunos dicen que la escena de los clubes parisinos de la década de 1960 —Chez Castel, Chez Régine— comenzó todo. Eran lugares sofisticados donde, a finales de la década, se escuchaban canciones tan eróticas como Serge Gainsbourg y el apasionante dúo de Jane Birkin Je T’Aime… Moi Non Plus y el sueño de ensueño de Isaac Hayes, 12- minuto versión de Walk On By. Pero la mayoría está de acuerdo en que nada de esto importó realmente hasta principios de la década de 1970, cuando los clubes de baile gay underground de Nueva York: Loft, Tenth Floor, 12 West, Infinity, Flamingo y, más tarde, Paradise Garage, Le Jardin y The Saint —Creó una cultura disco que trajo consigo el consumo abierto de drogas, el sexo en el lugar y el baile extasiado, sin parar, durante toda la noche.

Nadie que estaba allí entonces y todavía está aquí ahora lo recuerda de la misma manera. Los clubes, la música, la experiencia se recuerda en una bruma casi psicodélica. Luces estroboscópicas intermitentes, nitrito de amilo, quaaludes, cuerpos sudorosos arremolinados y un cuatro al piso pulsante ( boom-boom-boom-boom ) Ritmo de alta energía, todo energizado por la música que se conoció como disco.

La música disco es funk con pajarita. —Fred Wesley, trombonista de James Brown.

Nile Rodgers, compositor, guitarrista, productor, cofundador, con el bajista Bernard Edwards, de Chic (Le Freak, Good Times): Bernard y yo éramos músicos típicos de R&B y funk, y sabíamos que si podíamos conseguir gente en la pista de baile, podríamos conseguir un contrato discográfico. Fue exactamente así de calculado.

Vince Aletti, columnista disco, Récord mundial 1974–78; autor, Los archivos Disco: The Loft fue el primer club que recuerdo tener este tipo de mezcla de música. Literalmente era el loft de David Mancuso en la parte baja de Broadway. Era una fiesta, era privada, era toda la noche y solo estaba abierta una noche a la semana. Tenía una gran mesa de ponche [sin alcohol], pretzels, frutas… era muy hippie en cierto modo.

Judy Weinstein, gerente del Loft; gerente del Record Pool (un colectivo de DJ); fundador, Def Mix Productions: En 1975, David [Mancuso] se mudó al 99 de Prince Street, por lo que se convirtió en el segundo Loft. SoHo realmente no tenía nada que ver con nada de moda, excepto el Loft. El Loft original era muy alegre, con una pizca de heterosexuales. El Prince Street Loft era más mixto: chicos y chicas gay negros y españoles. Los chicos gay blancos fueron al Décimo Piso. 12 West vino después.

Fran Lebowitz, autor Vida metropolitana, estudios sociales ): Recuerdo que el Décimo Piso es uno de los mejores lugares, tal vez porque no estaba lleno y no tenía esa sensación comercial que tenían los clubes posteriores. O puede ser simplemente que era más joven y más impresionable. 12 West era todo el camino hacia el oeste, y en cuanto te acercabas lo suficiente para escuchar la música, empezábamos a bailar en la calle, porque bailar era una manía. Fue un apetito. Bailaríamos horas y horas sin parar. Hacía tanto calor allí, era muy común ver a los niños salir de estos clubes y quitarse las camisetas y escurrirse, y un litro de agua iba a la calle.

Bethann Hardison, ex modelo, actualmente gestora de talentos y documentalista: Los niños blancos en Filadelfia podían bailar, seguían bailando Quiosco de música americano, pero la discoteca cambió el negocio de la música. Existe una gran diferencia entre la gente que baila en fiestas o en clubes para convertirse en un internacional explosión.

Felipe Rose, * cantante, el Indio en el Village People (Macho Man, Y.M.C.A.): * Bailé por dinero en un notorio club nocturno llamado Anvil. Me dijeron que serían un grupo de chicos, [algunos] desnudos ... y no podía ser condescendiente con la clientela. Mi cabello era largo y, al ser mitad indio americano, vestía ropa tribal. Me trenzaba el pelo, me ponía la chaqueta con flecos, la gargantilla autóctona ... Era como un pequeño mito urbano en el Village.

Gloria Gaynor, cantante (Honey Bee, I Will Survive): Estuve en los clubes de la ciudad de Nueva York en 1971, 1972, tomando el pulso, sabiendo lo que estaba pasando. Los vi preparando a D.J. cabinas en los armarios: quitar la mitad superior de la puerta, colocar una tabla de madera, y eso es lo que [el DJ] puso su plato giratorio.

Bethann Hardison: Para que una chica entrara en 12 West, tenías que ser parte de una pandilla que decía que estabas bien. para entrar. Recuerdo la vibra, no recuerdo a la gente. podría tener casado alguien allí y no recuerda su nombre. En un momento recuerdo bailar, cerrar los ojos y decir: Si muero mañana, estaré bien, porque estoy muy feliz.

Fran Lebowitz: Siempre tuvo miedo de revisar su abrigo; tenías miedo de que la chica del guardarropa se lo robara y no podías permitirte perder un abrigo de invierno. Siempre habría al menos una persona gritándole a la chica del guardarropa: Sí, era un negro ¡chaqueta de cuero! En el Loft, la gente doblaba sus abrigos y los dejaba en el suelo para poder vigilarlos. Luego, otras personas se sentaban encima de ellos, tenían sexo con ellos… Siempre estuve muy preocupado por la situación del abrigo. Incluso pensando en eso ahora, me pongo ansioso.

Entusiastas de la discoteca, 1979. Por Sonia Moskowitz.

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Ian Schrager, cofundador con Steve Rubell de Studio 54; C.E.O., Ian Schrager Company: Había estos clubes gay que eran más creativos, más enérgicos, más orientados a la danza, más tribales, más sexuales.

Quiero ir a donde baila la gente. Quiero algo de acción ... quiero vivir. —Me encanta la vida nocturna (Disco ‘Round), Alicia Bridges.

Cuando las compañías discográficas se dieron cuenta de que una canción podía salir de los clubes, los DJ, David Mancuso en el Loft, Tom Savarese en el 12 West, Bobby Guttadaro en Le Jardin y Richie Kaczor, primero en Hollywood y luego en Studio 54, habían mucha influencia.

Vince Aletti: Los DJ se convirtieron en las estrellas, porque los discos iban y venían. Hubo maravillas de un solo éxito, hubo grandes estrellas, hubo discos como Soul Makossa [Afro-jazz] de Manu Dibango, pero los DJ fueron los que encontraron la manera de mezclar todas estas cosas tan dispares y crear una velada completa. .

Gloria Gaynor: Estaba haciendo una versión acelerada de Never Can Say Goodbye, y luego se convirtió en la primera canción disco que se reproducía en la radio AM, y llegué al número uno en las listas de música disco en Billboard.

Vince Aletti: Barry White llegó en 1974, y eso fue un cambio importante, porque era un sonido que no había existido antes. Love's Theme fue uno de esos discos que fue un enorme, enorme disco de club durante unos seis meses antes de que fuera a una estación de radio y se convirtiera en el número uno.

Dicen que Barry White fue el padrino de la música disco, pero el sonido de Barry White es una combinación de romance, intimidad, educación ... La gente entiende el amor. En los países donde no tienen tocadiscos, compran el disco de Barry White, escuchan la radio y miran el disco. —Barry White, 1987.

Harry KC Wayne Casey, compositor, fundador, KC & the Sunshine Band (Get Down Tonight, That’s the Way [I Like It]): Quería hacer un álbum que tuviera todo el ritmo. Shake Your Booty se escribió a partir de la frustración, al ver a la gente luchando por querer pasar un buen rato. Querer simplemente sentirse libres y ser ellos mismos. Levántate y haz algo.

Judy Weinstein: The Record Pool comenzó alrededor de 1975 porque los sellos discográficos se cansaron de que el DJ golpeara las puertas en busca de producto. El DJ se reunió en el Loft y dijo: Déjenos que nos envíen todos los registros y les daremos su opinión. Entonces, si tuvieras cien miembros, obtendrías cien copias de cada disco, se las darías a los miembros y, dado que algunos de ellos eran reporteros de Billboard o DJ de estaciones de radio, lo reproducirían. al aire o escribir sobre ello.

Studio 54, 1978. Por Allan Tannenbaum / Polaris.

Alicia Bridges, cantante (Amo la vida nocturna [Disco ‘Round]): Noté que había varias canciones en el Billboard Top 10 que decía Disco — Disco Inferno, Disco esto, Disco aquello. Así que escribimos I Love the Nightlife (Disco ‘Round), algo así como una broma. Fue un gran éxito, pero me unió a la diva, el título disco.

Felipe Rose: Cuando Jacques Morali [compositor y, con Henri Belolo, cofundador de Village People] se me acercó por primera vez, no pude entenderlo porque su acento [francés] era muy marcado. Todo lo que le oí decir fue que quería hacer algo conmigo, y le dije: No, no lo harás. Lo volví a ver en el 12 West, y había un par de vaqueros y un motociclista allí, y cuando me vio con los otros personajes, su idea de grupo se cristalizó. Dijo: Vamos a armar un grupo de discoteca, un grupo de discoteca gay. No lo entendí y pensé: Oh, genial, esto se va a derrumbar como una bomba atómica.

Sarah Dash, Nona Hendryx y Patti LaBelle en Londres, 1975. De RB / RedFerns / Getty Images.

Nona Hendryx, cantante, Labelle (Lady Marmalade): Éramos una mezcla de rock, funk, R&B y gospel. Para nosotros, Lady Marmalade era música de baile, música de club. En ese momento, sin embargo, para que un grupo de chicas cantara sobre una prostituta y un john ... bueno, no era Baby Love.

Judy Weinstein: Obtuve el disco de McFadden y Whitehead Ain’t No Stoppin ’Us Now por error, en una caja con otros discos. Pensé que era genial, se lo llevé a [el influyente DJ] Larry Levan en el [Paradise] Garage, y le dije: Tienes que escuchar esto. Entonces Frankie Crocker [D.J. en el WBLS de Nueva York] entró al club esa noche, sacó ese disco del tocadiscos y se convirtió en su tema principal. Así es como el Record Pool podría batir un récord.

Felipe Rose: Siendo birracial y gay, estaba en el gueto. De repente, Jacques está hablando de discos, y no estaba seguro de que la comunidad en general lo entendiera, y no estaba seguro de cómo lo iba a ver la comunidad gay. Pero yo era un artista y quería seguir trabajando. Así que pensé: Bueno, un álbum y pasar al siguiente. Luego, cuando salió el primer álbum, dejé Anvil.

La música disco reflejaba mis propias necesidades personales: poder escuchar música en una cena o mientras hacía el amor que no fuera interrumpida por un comercial o un locutor de radio. Cuando conseguí Love to Love You Baby de Donna Summer, lo puse en una fiesta y la gente me decía que lo volviera a tocar. Así que llamé al [productor] Giorgio [Moroder] y le pedí que hiciera una versión ampliada del disco. Hizo una versión de 16 minutos y 40 segundos y el resto es historia. —Neil Bogart, presidente, Casablanca Records, 1979.

Giorgio Moroder, compositor, productor (Love to Love You Baby, I Feel Love): Pensé que si alguna vez tenía una idea para una canción sexy como Je T'Aime, me gustaría hacerlo. Así que le dije a Donna, si se te ocurría alguna letra… Un día ella vino a mi estudio y dijo, creo que tengo una idea para la letra, y tarareó algo como Mmmmmmm… amo amarte bebé. Hice una demostración, se la presenté a algunas personas en midem [una convención internacional de canciones] y la reacción fue increíble.

Donna Summer, cantante, compositora (Bad Girls, She Works Hard for the Money): Originalmente grabé Love to Love You Baby en un desafío de Giorgio de que no podía ser sexy. Fue una broma que funcionó. Todas esas cosas orgásmicas ... pensé que estaban bromeando, traté desesperadamente de conseguir que alguien más cantara la canción. Luego les hice apagar las luces, conseguir algunas velas, tener algo de ambiente. Me estaba acercando más y más al suelo y finalmente estaba tumbado en el suelo. Me tomó una buena hora ponerme cómodo; Empecé a cantar lo que me vino a la mente. Estaba pensando en cómo lo haría Marilyn Monroe.

Giorgio Moroder: Al principio, no tenía demasiados gemidos. Pero en la [versión] del álbum, tenía como 70 [gemidos] ... Creo que [lo hicimos en] una toma.

Donna Summer: Giorgio no quería que cantara como un cantante de R&B. Vengo de la iglesia y estaba acostumbrado a gritar. Giorgio quería que fuera internacional. Entonces Neil [Bogart] lo retomó desde allí.

Cecil Holmes, ex vicepresidente senior de Casablanca Records: No había nada que Neil no hiciera para promocionar un disco. Era como el P. T. Barnum o el Mike Todd de la industria discográfica. Nuestro problema era cómo hacer sonar una canción tan larga en la radio. Lo llevé a WWIN, en Baltimore, al programa nocturno, porque en un programa nocturno podías hacer prácticamente lo que quisieras. Les dije a los disc jockeys: Aquí hay un disco que pueden reproducir cuando necesiten ir al baño. Lo tocaron toda la noche.

Donna Summer: Ser llamada la reina de la discoteca ... bueno, es bueno ser la reina de alguna cosa.

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Hay una fiesta aquí mismo. Una celebración que durará a lo largo de los años. —Celebración, Kool & the Gang.

En 1976, según se informa, había 10,000 discotecas en los Estados Unidos: discotecas para niños, para personas mayores, para patinadores y discotecas portátiles instaladas en centros comerciales y Holiday Inns. Ese año, de forma regular, 5 de cada 10 solteros en Las listas semanales de Billboard eran disco. Y los Fred Astaire Dance Studios hicieron un buen negocio enseñando el Hustle.

Nona Hendryx: Algunas personas religiosas pensaron que éramos la reencarnación del diablo debido a la línea de Lady Marmalade Voulez-vous coucher avec moi, ce soir? Las estaciones de radio no lo reproducirían; la gente venía a nuestros espectáculos con carteles que decían: No queremos esta música en nuestra ciudad. Pero hasta el día de hoy es un himno de club; no podemos bajarnos del escenario sin hacerlo. Aún así, ninguno de nuestros fans puede cantarlo. Cantan, Voulez-moo coufou mah semah.

Felipe Rose: Si las audiciones que teníamos para los personajes de Village People fueran televisadas, habría sido exactamente como Idolo Americano. El primer día de ensayo, todos dijeron que esto iba a ser tan grande, y todavía no lo entendí. Luego hacemos el álbum, vamos a Europa, y cuando regresamos meses después, Jacques desfile descaradamente nosotros en 12 West y entregar el D.J. nuestro récord. Me sentí como un trozo de carne. Ese primer álbum se hizo tan grande que tuve peleas en el Village porque la gente decía: Oh, mira, ahora es una superestrella. Yo digo, No, no lo soy, sigo siendo el mismo chico. Entonces me mudé a Nueva Jersey.

Robert Kool Bell, compositora, bajista, fundadora, Kool & the Gang (Celebration, Ladies Night): Nuestra compañía discográfica pensó que necesitábamos un productor que nos ayudara a crear un tipo de disco de Soul Makossa. Dijimos: Espera un minuto, podemos escribir nuestra propia versión de 'Soul Makossa'. Así que fuimos a un estudio, ensayamos todo el día y creamos Hollywood Swinging, Jungle Boogie y Funky Stuff. Todo en un día. Llevamos eso a la compañía discográfica y, bueno, ya no se metieron más con The Gang.

Thelma Houston, cantante (No me dejes de esta manera): Había estado en Motown durante cinco años antes de tener un éxito. Luego [la ejecutiva de Motown] Suzanne de Passe encontró Don’t Leave Me This Way en un álbum de Harold Melvin & the Blue Notes, y me encantó. Fue entonces cuando realmente tenían departamentos de A&R en las compañías discográficas.

Evelyn Champagne King, cantante (vergüenza): Tenía 16 años, estaba en Filadelfia, trabajaba con mi mamá y mi papá en Sigma Studios [de Gamble y Huff], ayudando a limpiar. Estaba pasando la aspiradora y [el productor] T. Life me escuchó cantar. Dos meses después, estaba en su sala de estar escuchando Shame, y he estado viajando desde entonces. Yo era un niño y no tenía idea de qué trataban las letras: Ardiente, mantienes todo mi cuerpo anhelando. Solo lo hice.

Nile Rodgers: Escribimos Le Freak porque se nos negó la entrada a Studio 54 en la víspera de Año Nuevo de 1977-1978. Grace Jones nos había invitado a ver su espectáculo, y asumió que, dado que nuestro éxito Dance Dance Dance (Yowsah, Yowsah, Yowsah) era tan grande, podíamos entrar. Normalmente podríamos, pero se agotaron las entradas, se olvidó de dejar nuestro nombres en la puerta, y [el portero] Marc Benecke no nos dejó entrar. Él cortésmente nos dijo que nos fuéramos a la mierda. Así que Bernard y yo fuimos y escribimos una canción llamada Fuck Off: Awww ... vete a la mierda ... Sonaba genial, pero dije que no podíamos tener una canción en la radio llamada Aww ... Fuck Off. Así que se me ocurrió Freak Off, pero eso no fue sexy. Entonces a Bernard se le ocurrió ese baile nuevo que todo el mundo está haciendo llamado Freak. Esa fue nuestra versión de Vamos nena, hagamos el Twist.

The Village People en el estreno de No puedo detener la música 1980. Por Robin Platzer.

Gloria Gaynor: Sabía que I Will Survive era una canción de éxito solo por leer la letra; Ni siquiera había escuchado la melodía. Pero mi compañía discográfica había elegido otra canción, y esta era la cara B. Así que se lo llevamos a Richie Kaczor en Studio 54, y a él le encantó, lo tocó y se lo dio a su D.J. amigos. Empezó a sonar en los clubes y la gente empezó a llamar a las estaciones de radio queriendo escucharlo en la radio.

Felipe Rose: Estábamos orgullosos de nuestras raíces homosexuales, pero cabalgamos a ambos lados de la valla de manera muy, muy inteligente. No fueron los gays los que compraron los álbumes; eran niñas y niños heterosexuales. Los homosexuales radicales decían que éramos unos vendidos y deberíamos decir que somos homosexuales y estamos orgullosos, pero nuestro sentimiento era que primero éramos artistas y animadores. Cuando vende muchos discos, tiene una responsabilidad con sus socios comerciales. Nos convertimos en los pequeños niños lindos que sacudían sus colmillos: el grupo de chicos disco.

Gloria Gaynor: Tenía todo el sentido del mundo que I Will Survive se convirtiera en un himno del movimiento gay. ¿Quiénes se sintieron más oprimidos que ellos?

Paul Shaffer, teclista líder de banda The Late Show with David Letterman: Paul Jabara [el compositor ganador del Oscar de Last Dance] me llamó y me dijo que tenía una canción para Donna Summer y que quería que yo le ayudara a escribir la música. Dijo que esto atraería a su audiencia principal, que era una audiencia de club gay. Vamos a golpear a los maricones donde viven, dijo, y por supuesto, como hermano gay, tenía derecho a decir cosas así. Dijo: Se llama 'Está lloviendo hombres', ¿qué te parece? Y dije, ya voy.

Martha Wash, cantante, Two Tons of Fun, the Weather Girls (It's Raining Men): Cuando fui a la audición para [la cantante] Sylvester, había dos chicas blancas allí —delgadas, rubias— y él se dio la vuelta y les dijo que podían irse. Me preguntó si conocía a alguien tan grande como yo que supiera cantar. Así que traje a Izora Armstead y nos convertimos en sus cantantes de respaldo: Two Tons of Fun. Izora y él usaban el mismo tamaño de zapato, por lo que ella rompía los zapatos por él.

Paul Shaffer: Paul [Jabara] hizo una demostración de It's Raining Men, la puso para Donna Summer y no le gustó. Donna Summer había nacido de nuevo y odiaba cuando decía Aleluya y Amén. Ella pensó que era una blasfemia. Pero Paul no se inmutó. Sabía que era un éxito.

Martha Wash: Izora y yo estábamos en la casa de Paul Jabara en Los Ángeles, y nos puso esta canción; pensamos que era una broma. Pero él dijo: No, quiero que grabes esta canción. Me refiero a el rogó nosotros. Dijo que Donna Summer lo rechazó. Diana Ross lo rechazó. Barbra Streisand lo rechazó. Todas las otras divas lo rechazaron. Finalmente dijimos, está bien, y la noche siguiente fuimos al estudio y lo hicimos en aproximadamente una hora y media.

Felipe Rose: Un día Jacques [Morali] nos preguntó: Qu’est-ce que c’est Y.M.C.A.? Pensamos que se estaba volviendo loco, pero le dijimos, Asociación Cristiana de Hombres Jóvenes, y él dijo: Bien, vamos a escribir una nueva canción, y dijo: ' Aceite joven, bueno y malo ... 'Luego, cuando Neil [Bogart] lo escuchó, dijo que este es el single. Realizamos Y.M.C.A. en la televisión, el público hizo la Y, la M, la C y la A con los movimientos de las manos por encima de la cabeza. Vendió 3 millones de copias en una semana, 12 millones en todo el mundo. Fue un monstruo, fue enorme.

Liza Minnelli y Mikahil Baryshnikov en Studio 54, 1977. De Bettmann / Corbis.

Pon esa música funky, chico blanco, reproduce esa música funky correctamente. -Cereza silvestre

1978-79: Como era de esperar, las estrellas del rock, las estrellas del punk y las superestrellas comenzaron a volverse disco. Rod Stewart tuvo el mayor éxito de su carrera con Da Ya Think I'm Sexy. Los Rolling Stones hicieron una canción increíble, basada en el ritmo, Miss You, que incluía un desglose de las palabras habladas de Mick Jagger (... algunas chicas puertorriqueñas simplemente dyyyyyinnn ’to meetchoo). Blondie salió de CBGB con un sencillo que encabeza las listas, Heart of Glass. Y Diana Ross colaboró ​​con Chic for I'm Coming Out.

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Odio a Da Ya Think I'm Sexy, pero tengo que hacerlo en vivo porque funciona muy bien. * —Rod Stewart, 1984.

I'm Coming Out y Upside Down eran reflejos de lo que estaba pasando conmigo en ese momento. Muchas mujeres se identificaron con eso. —Diana Ross, 1996.

Debbie Harry, cantante, Blondie (Heart of Glass): No sentí que [Heart of Glass] fuera tan diferente. Es muy difícil categorizar la música porque todo está superpuesto con influencias. Siempre me sorprendió quién se ofendía. [Escuchamos que] Joan Jett estaba muy ofendido de que hiciéramos [una canción disco], y creo que los Ramones también.

Viste la mejor ropa. Los mejores diseñadores que el cielo conoce… Halston, Gucci, Fiorucci. —Él es el mejor bailarín, hermana Sledge.

Studio 54, desde la noche de la inauguración el 26 de abril de 1977 hasta la fiesta de despedida el 2 de febrero de 1980, cuando los propietarios Steve Rubell e Ian Schrager fueron a la cárcel por evasión de impuestos, fue el mejor club de baile de todos los tiempos. No era Uptown se encuentra con Downtown, era Centro de la ciudad, y dibujó una mezcla: rico, no rico, célebre, no, gay, heterosexual, negro, blanco, puertorriqueño, joven, viejo, hombre, mujer y lo que solía llamarse simplemente drag queens. Marc Benecke y Steve Rubell, vestidos con un abrigo de plumón de Norma Kamali, estaban en la puerta y los que ganaron la entrada se sintieron especiales. Cada noche era una fiesta, y nunca ha habido, ni habrá, un lugar como este de nuevo.

Bethann Hardison: Al principio, estaba enojado con Studio 54. Sentí que iba a cambiar el mundo real de la danza y la música dance. Lo peor para mí fue que sirvieron alcohol. Pensé, ¿cómo te vas a emborrachar y bailar?

Judy Weinstein: Cuando abrió Studio 54 pensé, tengo que conseguir algo de ropa.

Ian Schrager: Steve era un gran amante de las personas y estaba tan genuinamente preocupado por sus sentimientos y realmente se complacía al hacerlos sentir cómodos. Cuando estábamos haciendo Studio 54, Steve siempre me preguntaba: ¿Crees que la gente todavía quiere bailar? La gente ha estado bailando y haciendo esas cosas tribales desde Sodoma y Gomorra; hay ciertas cosas que son parte de nuestra especie y esas cosas nunca cambian.

Fran Lebowitz: La gente quiere bailar porque la gente quiere tener sexo. Baile es sexo. Por eso, cuando la gente dice, soy un gran bailarín, no es eso lo que realmente quiere decir.

Bethann Hardison: [Studio 54] realmente cambió el mundo. Es por eso que puedes ir a Bosnia oa algún lugar pequeño y oscuro y habrá algún tonto parado afuera en algún lugar con una cuerda de terciopelo rojo actuando como si fuera Steve Rubell.

Trabajo mucho tiempo en mi cabello. —John Travolta como Tony Manero en Fiebre de sábado por la noche, 1977.

Como Rocoso antes, o Eminem en 8 millas 25 años después, _Saturday Night Fever_ era la antigua historia de un niño que sueña que sus habilidades lo sacarán del vecindario. Saturday Night Fever, basado en un artículo de la revista New York, fue acompañado por una banda sonora que incluía éxitos de Bee Gees. Stayin 'Alive, Jive Talkin, You Should Be Dancing, y otros, como Disco Inferno de Trammps y Open Sesame de Kool & the Gang. El álbum vendió 25 millones de copias; la película fue un fenómeno. También fue el principio del fin de la discoteca.

Escribimos esas canciones en una semana. [Nuestro mánager] Robert [Stigwood] dijo que estaba haciendo esta película y necesitaba canciones para ella. En esos días, era como ¡Guau! ¡Música de película! Pagarías a la gente por conseguir tu canción en una película. Le tocamos las canciones y dijo que eran perfectas. Y renovaron You Should Be Dancing, que había sido un éxito dos años antes, porque a John [Travolta] le gustaba bailar. —Maurice Gibb, 1987.

Bill Oakes, ex presidente de RSO (Organización Robert Stigwood) Records; supervisor musical, álbum de películas y bandas sonoras, Fiebre de sábado por la noche: Nik Cohn estaba en mi sofá cuando estaba escribiendo la pieza para Nueva York revista. Nik estaba fascinado con la idea de que la música real, la danza real, sucedía en los distritos, que era una cosa de cuello azul.

Peter Brown, ex director ejecutivo de Apple Corps; ex director ejecutivo de RSO: Los Bee Gees estaban haciendo su regreso número 35, y Robert estaba muy cerca de ellos. Él había sido totalmente responsable de su éxito inicial porque los había desarrollado, los había producido, los había cuidado y, por supuesto, al mismo tiempo, era dueño de su administración, su sello discográfico y su editorial musical. . Así que cuando Fiebre de sábado por la noche éxito, Robert tenía la película, su gestión, su publicación y su contrato discográfico.

Kevin McCormick, ex presidente de producción de Warner Bros. Pictures; ex ejecutivo a cargo del desarrollo de películas, RSO; productor ejecutivo, Saturday Night Fever: Tenía 26 años y realmente no sabía lo que estaba haciendo, pero Robert me dijo que buscara un director para la película. Envié el artículo a un agente que tenía un director que me interesaba y me dijo: 'Chico, ¿sabes qué?'. Mis clientes hacen películas, no artículos de revistas.

Giorgio Moroder junto a la piscina en Beverly Hills, 1979. De Michael Ochs Archives / Getty Images.

Bill Oakes: El título original de Nik era The Return of Saturday Night, pero no podríamos llamar a la película así, sonaría como una secuela. Por supuesto, [ Nueva York editor] Clay Felker le dio un título un poco más pretencioso: Los ritos tribales del nuevo sábado por la noche.

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Kevin McCormick: La película tenía una verosimilitud tan intensa. Porque todo está orientado al personaje. Este tipo trabajó todo el día para tener ese momento ... Es una gran historia dramática.

Vince Aletti: A pesar de que eran unos blancos cursis, esas canciones de Bee Gees todavía suenan bien hoy. El resto del álbum tenía canciones legítimas como Disco Inferno; atrajo a mucha gente que no había escuchado el lado más negro de la música disco.

Bill Oakes: Recuerdo estar debajo del El en Brooklyn, lo estaban filmando, y pensé que todo parecía un poco amateur. No fue una gran película de Hollywood; se hizo desde la parte trasera de un camión. Mi propia sensación fue que llegamos demasiado tarde con el ángulo disco. Pensé que la discoteca había alcanzado su punto máximo.

Monti Rock III, cantante, Disco Tex en Disco Tex & the Sex-O-Lettes (Get Dancin ’, I Wanna Dance Wit Choo); el D.J. en Fiebre de sábado por la noche: Mi abogado me consiguió este papel Fiebre de sábado por la noche, así que en mi mente voy a estar en un película. Llego a Brooklyn con mi equipaje Louis Vuitton, ni un centavo en el bolsillo, y digo: ¿Dónde está mi remolque? Tuve un pequeño papel en la película y se suponía que mi nombre era Bernie, pero quería que me llamaran Monti. Entonces John Travolta, que es el hombre más agradable que he conocido en el mundo del espectáculo, dijo que mi nombre podría ser Monti. No pensé que esa película haría una mierda.

Kevin McCormick: Travolta había estado entrenando durante meses para hacer el solo de baile, pero la forma en que se estaba filmando le cortaba los pies y lo volvía loco. Así que todo el panorama se cerró, porque Travolta no funcionaría más hasta que [el director] John Badham accedió a cubrir el solo de baile de la forma en que Travolta quería que lo cubriera. No podías ver solo pedazos y tener la misma experiencia emocional. Es el punto culminante de la película, y Travolta tenía toda la razón.

Cuando escribimos la música, las únicas canciones que pensamos que eran disco eran You Should Be Dancing y tal vez Jive Talkin '. Nunca pensamos en Stayin ’Alive como una discoteca. —Barry Gibb, 1983.

Bill Oakes: Tuvimos dos [éxitos] No. 1 —Stayin 'Alive y How Deep Is Your Love? —Antes incluso de que saliera la película. La película se estrenó en algo así como 600 cines, lo que no tenía precedentes, y se disparó el fin de semana de estreno. El disco había vendido la película, y eso nunca antes había sucedido.

Vince Aletti: La comunidad disco, sea lo que sea, se sintió muy ambivalente acerca de [ Fiebre de sábado por la noche ]. Llamó mucho la atención a la música disco, explotó, pero una vez que algo se vuelve tan grande, tiene que terminar.

No se podía encender la radio sin escuchar una de nuestras canciones. Se convirtió en un albatros, en cuanto a imágenes. En lugar de pensar en el éxito que trajo a la radio ya la industria discográfica y [que] hizo que todo el mundo ganara mucho dinero, los programadores de radio nos hicieron sentir que se lo infligimos. —Maurice Gibb, 1987.

Último baile, última oportunidad para el amor Sí, es mi última oportunidad para el romance esta noche. —Último baile, Donna Summer.

Cuando el sida llegó por primera vez a la escena de los clubes, hacia finales de los 70, nadie sabía qué era ni cómo se podía conseguir. Algunos pensaron que se podía contagiar por el sudor; otros estaban aterrorizados por los poppers de nitrito de amilo que se inhalaban para conseguir ese efecto extra mientras bailaban. Pero la reacción violenta a la música disco como contribución a la decadencia moral fue intensa.

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Felipe Rose: Nuestras vidas no fueron complicadas, éramos despreocupados. No sabíamos lo que estaba por venir.

Martha Wash: El sida estaba asustando a todo el mundo. Todo cambiaba y la gente pasaba.

Nona Hendryx: Podías verlo en los rostros de la gente, y como perdiste amigos, no tenías amigos con quienes ir a los clubes; la gente que hacía la música empezó a desaparecer. Las personas que eran anti-homosexuales usaban eso como una sede, les dije ... Era una forma de segregar a las personas.

Thelma Houston: La comunidad gay comenzó a unirse y organizarse más. Y sucedió que mi canción Don’t Leave Me This Way estaba teniendo un gran éxito en ese momento. Se convirtió en una especie de himno.

En 1979 en Chicago, después de que la estación de rock WDAI se volviera totalmente disco, la radio D.J. Steve Dahl reunió a la gente en torno al movimiento Disco Sucks. El 12 de julio de 1979, hizo estallar récords de discoteca en Comiskey Park entre juegos en una doble cartelera de los White Sox de Chicago (el video vive hasta el día de hoy en YouTube).

Nile Rodgers: Después del período Disco Sucks, en el verano de 1979, hubo dos discos número uno: Chic’s Good Times y The Knack’s My Sharona. The Knack iba a ser el salvador del rock 'n' roll y, por primera vez, nos condenaron al ostracismo. A pesar de lo genial que era My Sharona, The Knack nunca volvió a tener otro disco de éxito, mientras que Good Times fue estafado por Queen, The Clash, INXS y SugarHill Gang.

Fran Lebowitz: Hay música que no me gusta, pero no hago una carrera profesional de que no me gusta, simplemente no lo escucho. Disco Sucks fue una especie de pánico por parte de los blancos heterosexuales. El disco era básicamente música negra, el rock 'n' roll era básicamente blanco: esos tipos se sentían desplazados.

Alicia Bridges: Fue una especie de final de mi carrera, porque aunque soy un artista de R&B y rock, no querían escuchar nada más que disco de mí.

Gloria Gaynor: Si no te gusta la música disco y estás quemando los discos, ¿por qué los tienes en primer lugar? Este tenía que ser un movimiento iniciado por alguien que tuviera una mentalidad de mafia y cuyo sustento se viera afectado por la popularidad de la música disco.

Bailar ayuda a aliviar el dolor Calma tu mente Te hace feliz de nuevo. —Todo el mundo baila, chic.

Robert Kool Bell: Cuando los tiempos son malos, la gente quiere deshacerse de sus problemas bailando.

Fran Lebowitz: Todo el mundo sigue diciendo lo mal que estaba la economía en los setenta. Pero la gente que era joven no iba a bailar para escapar de una mala economía. Si me hubieran preguntado cuál era la economía, no habría tenido la menor idea. yo sabía I no tenía dinero, pero no me di cuenta de que era un problema de toda la ciudad.

Ian Schrager: No fueron las ayudas las que dificultaron el negocio de los clubes nocturnos. Las regulaciones gubernamentales lo lograron. Steve y yo hicimos nuestro primer club nocturno [el Enchanted Garden, en Douglaston, Queens] por $ 27,000 y Studio 54 lo hicimos por $ 400,000. Ahora, con todas las regulaciones, códigos de incendios, requisitos de rociadores, problemas del vecindario, juntas de planificación comunitaria ... incluso antes de que te pongas la primera capa de pintura, estás en esto por más de un millón de dólares. Lo que ha hecho es privar de sus derechos a los jóvenes.

Nona Hendryx: ¿A dónde fueron los bailarines? Fueron al gimnasio. Se convirtió en el nuevo club. Ahí es donde la gente empezó a conocer gente, empezó a salir. Intentaban verse más saludables y mejor, tocaban música, tenían clases de baile.

Invierno de 2009-10: Y.M.C.A. de The Village People se reproduce durante la televisión N.B.A. juegos. Un Disco Ball, con Gloria Gaynor, Trammps, Peaches and Herb, Monti Rock III, y otros, se ha llevado a cabo en Las Vegas y Atlantic City. El otoño pasado, el Hollywood Bowl acogió un gran espectáculo Disco Fever 3 con Chic, Kool & the Gang, Village People y Thelma Houston. DJ. las escuelas de todo el país enseñan cómo mezclar MP3 para clubes. Got to Be Real de Cheryl Lynn es la banda sonora de un comercial de televisión de Applebee's. Los Bee Gees, celebrando su 50 aniversario, aparecieron en ambos idolo Americano y Bailando con las estrellas. En diciembre, Donna Summer actuó en el concierto del Premio Nobel de la Paz en Noruega. Y a pesar de las regulaciones gubernamentales y los problemas comunitarios y las leyes contra incendios y las quejas de los vecindarios, los clubes de baile están surgiendo nuevamente; ya sean lugares que cierran, como Beatrice Inn o Jane, en la ciudad de Nueva York, o fiestas privadas que surgen con regularidad, atrayendo a bailarines más jóvenes de boca en boca a los sótanos, oficinas vacías o lofts, no puedes detener la música.

Gloria Gaynor: La música disco está viva y bien y vive en los corazones de los amantes de la música de todo el mundo. Simplemente cambió su nombre para proteger a los inocentes: Música de baile. No hay mejor música para una fiesta; te ayuda a deshacerte del estrés del día.

Lisa Robinson es un Feria de la vanidad editor colaborador y compositor de música.